y “lo cool”
Inestimable ensayo para todo aquel que alguna vez se haya burlado de la contracultura que nos legaron los años sesenta. [...] Análisis exhaustivo de la era de la publicidad. [...]
No lo lea
Va a descubrir que su personalidad más auténtica es consecuencia de la publicidad
La conquista de lo coolno sólo hace callar a viejos hippies canosos que recuerdan sus viajes en furgoneta Volkswagen convencidos de que fueron transgresores, sino que además vacuna al público contra el capitalismo moderno que está hoy por todas partes, incluso en estas páginas.»
BRAD WIENERS, Wired Magazine
La conquista de lo cool nos enseña por qué durante elúltimo tercio del siglo veinte los ciudadanos confundieron cada vez más cortesía con conformidad, ironía con denuncia y levantar el dedo mayor con un manifiesto populista.
Frank muestra con habilidad las diversas formas en que la publicidad volvió a definir el radicalismo fusionándolo con un consumismo agresivo. [...]
Su voz sirve de estimulante complemento al soporífero discurso público de finales del siglo veinte.» T. J. Jackson Lears,In These Times
Los modernos y agresivos spots publicitarios de aquellos años, se mofaban de las vanas promesas de la cultura consumista a la vez que vendían el consumismo como un acto de rebelión. ......
«Frank rastrea los orígenes de la de la contracultura, que acaba encontrando no en el campus ni en la comuna, sino en los manuales de gestión empresarial y en los departamentos creativos de las agencias de publicidad de los años cincuenta. [...]
De hecho, él mismo confiesa que el título del libro no es del todo acertado.
La empresa no conquistó la contracultura.
La inventó.
DEBRA GOLDMAN, Los Angeles Times Book Review
«Después de leerlo será difícil volver a utilizar palabras como “revolución” o “rebelde” sin entrecomillar.»
GERALD MARZORATI, New York Times Book Review
GERALD MARZORATI, New York Times Book Review
«Frank sostiene con firmeza no sólo que la industria publicitaria convirtió la retórica contracultural de la revolución en un eslogan para incentivar el consumo, sino que además el proceso en sí fue, de hecho, anterior a cualquier movimiento contracultural del que se pudiera sacar algún provecho.» GEOFF PEVERE, Toronto Globe and Mail
«Impagable, pletórico y desmitificador ensayo que todos deberían leer»
FRAN G. MATUTE, Estado crítico
"LA MODERNIDAD" creada por la CIA
PORQUE EXISTE EL MOMA en N.Y.? :
PORQUE EXISTE EL MOMA en N.Y.? :
La CIA utilizó el arte moderno de EE.UU. - incluyendo las obras de artistas como Jackson Pollock, Robert Motherwell, Willem de Kooning y Mark Rothko.. - como un arma en la Guerra Fría.
Igual que un príncipe del Renacimiento. Excepto que actuó en secreto.. -
la CIA fomentó y promovió la pintura Expresionista Abstracta norteamericana en todo el mundo durante más de 20 años.
La CIA se infiltro en todas las disciplinas culturales, especialmente la filosofia, la literatura, la musica y la pintura.
Para esta ultima necesitaban exportar artistas que no fueran sospechosos de formar parte del establishment puramente yankee, y que estuvieran alejados de la estampa de pais inculto de pueblerinos y devotos del baseball, imagen que ayudaba a difundir el histerismo de McCarthy, la torpeza del Departamento de Estado con su propaganda pueril o la paranoia anticomunista del FBI de Edgar Hoover.
Se utilizó al pintor Pollock, por ejemplo, como simbolo de referencia de una nueva revolucion que debia situar a EE.UU. en la vanguardia pictorica, El MOMA (MUSEO DE ARTE MODERNO DE N.Y.) iba a ser el vehiculo de la manipulacion.
Nelson Rockefeller era el principal acreedor de la fundacion para crear el MOMA,(el mismo Rockefeller lo denominaba el "museo de mama", pues se constituyó con parte de sus fondos en 1929, ademas era amigo personal de Allen Dulles - director de la CIA desde 1953 hasta 1961.
La CIA solia interponer fundaciones o utilizaba las existentes para encubrir los fondos gubernamentales, que transferia de forma opaca por medio de donaciones, una forma segura, siempre que se emplearan cantidades creibles.
Hubo fondos para multiples exposiciones en el MOMA. Una de ellas por ejemplo en 1952 una oportuna beca anual del ROCKEFELLER BROTHER FUND por 125.000 dolares.
Otros fondos de la CIA fueron a parar no solo al MOMA, sino tambien a la Bienal de Venecia.
Igual que un príncipe del Renacimiento. Excepto que actuó en secreto.. -
la CIA fomentó y promovió la pintura Expresionista Abstracta norteamericana en todo el mundo durante más de 20 años.
La CIA se infiltro en todas las disciplinas culturales, especialmente la filosofia, la literatura, la musica y la pintura.
Para esta ultima necesitaban exportar artistas que no fueran sospechosos de formar parte del establishment puramente yankee, y que estuvieran alejados de la estampa de pais inculto de pueblerinos y devotos del baseball, imagen que ayudaba a difundir el histerismo de McCarthy, la torpeza del Departamento de Estado con su propaganda pueril o la paranoia anticomunista del FBI de Edgar Hoover.
Se utilizó al pintor Pollock, por ejemplo, como simbolo de referencia de una nueva revolucion que debia situar a EE.UU. en la vanguardia pictorica, El MOMA (MUSEO DE ARTE MODERNO DE N.Y.) iba a ser el vehiculo de la manipulacion.
Nelson Rockefeller era el principal acreedor de la fundacion para crear el MOMA,(el mismo Rockefeller lo denominaba el "museo de mama", pues se constituyó con parte de sus fondos en 1929, ademas era amigo personal de Allen Dulles - director de la CIA desde 1953 hasta 1961.
La CIA solia interponer fundaciones o utilizaba las existentes para encubrir los fondos gubernamentales, que transferia de forma opaca por medio de donaciones, una forma segura, siempre que se emplearan cantidades creibles.
Hubo fondos para multiples exposiciones en el MOMA. Una de ellas por ejemplo en 1952 una oportuna beca anual del ROCKEFELLER BROTHER FUND por 125.000 dolares.
Otros fondos de la CIA fueron a parar no solo al MOMA, sino tambien a la Bienal de Venecia.
La invención de la costumbre:
Beber de la botella, deportiva y juvenilmente, fue un recurso de Coca-Cola para mostrar la marca en sus avisos publicitarios. Beber de la botella era, es, de borrachos, siempre y cuando no sea Coca-Cola.
Lo subliminal en BEBER A MORRO:
iNFORMACION aqui SOBRE EL TEMA SUBLIMINAL:
http://joanfliz.blogspot.com.es/2012/08/manipulacion-subliminal-entrevista.html
La invención de la costumbre:
Hollywood impuso los pijamas y las camas separadas, en una sociedad que se acostaba en calzoncillos o en pelotas, para mostrar parejas en la cama, pero vestidas. De allí en adelante fue un signo de elegancia usar pijama, y hasta bajar con él a desayunar.
La invención de la costumbre:
Thomas Frank viene a decirnos, con su libro, que si algo queda de aquel movimiento, abominado sin razones por la derecha reaganeana, es que los signos de rebelión, “se tú”, y contracultura siguen vendiendo lo que sea, desde calzones hasta autobuses, o música.
Porque desayunamos BACON con HUEVOS ?
De donde viene esta "cultura" - culinaria ?:
Esto es algo que probablemente nunca te has preguntado:
¿Por qué algunas comidas son consideradas como “alimentos para el desayuno” (Panqueques, tocino, huevos) y otras no?
¿Qué es lo que tendría de extraño comer panqueques para la cena y Pizza para el desayuno?
Si es que nos aconsejan comer tocino solo para el desayuno, eso no es nada más que una maniobra de Marketing.
Cuarenta años atrás, comer tocino en el desayuno era una conducta tan alienígena como comer pan de pascua con palta.
Comentario de lector:
"Los españoles y casi todo el resto del planeta se han tenido que acostumbrar a la imposición de shows de música rock, películas de Hollywood, pornografía hasta en la sopa, deportes ingleses ridículos como el fútbol, grandes premios de Formula 1, de tenis, de golf, concursos de Misses… todo esta basura es extranjera, todo esto es de origen masón (lo dejo para otro mensaje - largo), y todo esto es una imposición cultural.
Y mientras algunos españoles creen que el enemigo es por ejemplo el
"invasor" musulmán (el inmigrante, que solo es carne de cañón de un tráfico de mano de obra esclavista), no ven que han aceptado una agresión cultural brutal desde hace décadas que está devastando (ya ha devastado) su propia identidad cultural, nacional, religiosa, y yo diría que incluso personal.
"invasor" musulmán (el inmigrante, que solo es carne de cañón de un tráfico de mano de obra esclavista), no ven que han aceptado una agresión cultural brutal desde hace décadas que está devastando (ya ha devastado) su propia identidad cultural, nacional, religiosa, y yo diría que incluso personal.
Toda esta agresión cultural ya está llegando a su exitoso final de manos de la ONU y las plataformas políticas metanacionales (UE, OTAN, Liga Árabe, etc…), y estamos a las puertas de la culminación del proceso con la imposición de un Gobierno Mundial apoyado en un sistema financiero internacional
Estados Unidos cederá su poder político y banqueros internacionales se alzarán como la nueva superpotencia mundial.
Estados Unidos cederá su poder político y banqueros internacionales se alzarán como la nueva superpotencia mundial.
Literalmente: Fin de la Historia."
Como las corporaciones manipularon nuestra mente:
Edward Bernays, el Relaciones Publicas - RR.PP. - más influyentes del Siglo XX, recibió una tarea sencilla: vender tocino como pan caliente.
Para cambiar la percepción del público de que el tocino era un elemento no saludable, Bernay recurrió a “autoridades externas”.
Para ello, organizó un estudio científico en que se recomendaba que la gente tuviera “desayunos pesados”.
En ese estudio, Bernay aprovecho de publicitar el tocino y los huevos como “desayunos pesados”.
McDonalds le quita el sentimiento de culpabilidad a pedir más comida
En los años sesenta, la comida chatarra en Estados Unidos era realmente pequeña. Las hamburguesas de esa época eran cuatro veces más pequeñas que las actuales. La filosofía del asunto era la siguiente: vender hamburguesas baratas y chicas, para que la gente quedara hambrienta y pidiera una segunda. Era más rentable vender dos hamburguesas chicas que una sola grande.
Sin embargo, en los setenta Mc Donalds empezó a tener bajas ventas. Entonces se dieron cuenta de que existe un cierto estigma social hacia alguien que pide dos porciones. Es algo así como caer en el pecado de la gula.
La nueva táctica sería: ofrecer comida grande y promover “agrandadas” y hamburguesas “aun mas grandes”.
Como las corporaciones manipularon nuestra mente:
El plan consistió en volver normal la idea de comprar comida más grande. Había que poner en el Menú grandes hamburguesas, promover que sean “agrandadas” y cobrar según el tamaño de lo que está pidiendo. Esto se complementaría diciéndole a los cajeros que les ofrezcan los tamaños más grandes y las “agrandadas” a los clientes, enviando el mensaje subconsciente de que “Esta bien comer comida el doble de la recomendada. De hecho, preferimos que pidas siempre lo más grande”.
Al mismo tiempo en que Mc Donalds comenzó a utilizar está practica, la obesidad crecia a nivel mundial.
La invención del “Coffee Break”
Algunos de los que están leyendo este artículo toman más café que agua. Aunque ahora parezca que tomar café es algo inherente a un día laboral, el café no fue siempre tan popular como ahora, en que hay un Starbucks en cada esquina.
En los años 50, el café se estaba volviendo algo anticuado. La gente lo consideraba como un refresco de segunda categoría en comparación con las bebidas Cola.
Como las corporaciones manipularon nuestra mente:
Para cambiar esta situación, los emergentes productores de Café, como Colombia, se asociaron con las compañías cafeteras de Estados Unidos formando el “Comité del Café PanAmericano”.
Este comité, gastó 2 millones de dólares anuales (equivalentes a 40 millones actuales) en una campaña para que a los gringos y el resto de copiones, les volviera a gustar el Café.
Para conseguir este objetivo, contrataron al psicólogo John B. Watson.
El psicólogo se dio cuenta que durante la Segunda Guerra Mundial, algunas industrias comenzaron a dar a sus empleados un par de minutos libres en cada cambio de turno. Durante estos ratos, los trabajadores se tomaban rápidamente una taza de café para sentirse más despiertos.(dar este permiso aumentaba la productividad)
Una de las campañas de Marketing más exitosas de la historia
Entonces Watson concibiendo la novedosa idea de asociar al café con la posibilidad de “trabajar menos”. Así fue como comenzaron a salir una serie de propagandas que hablaban del nuevo “Coffee Break”.
La estrategia dio resultado y ya en los sesenta, el 80% de las empresas americanas le dieron a sus empleados un pequeño descanso. Y este no se llamó “Cola Break”, “Candy Bar Break” o “Break de lectura”.
Simplemente se llamó “Coffee Break”, gracias a una de las campañas de Marketing más ingeniosas de la historia.
Otro tema "cultural - basura" el INVENTO DE LA MODA:
Ir a descargar
Por ejemplo ¿a qué tanto joder con un grupo mediocre como The Doors?
Fuera de lo que hicieron y hacen con ellos las empresas y la mitología, no resisten una audición seria. Al menos eso es lo que afirma este Thomas Frank.
HOllywood basura, comida basura, tv. basura, moda basura.......todo con una altisima "productividad" ....por supuesto sin olvidar la MTV de la musica basura y creadora de la "verdad" entre adolescentes...
No lo lea
Va a descubrir que su personalidad más auténtica es consecuencia de la publicidad
LOS CONCIERTOS "BENEFICOS"
mucho mas sobre este tema de los megaconciertos:
http://conocimientodemisersuperior.blogspot.com.es/2012/10/el-diablo-que-no-conoces-como-nos.html
LA MUSICA INDUSTRIAL =musica basura
sigue decayendo la creatividad musical:
«Thomas Frank es uno de los cínicos más destacados de la generación X.LOS CONCIERTOS "BENEFICOS"
mucho mas sobre este tema de los megaconciertos:
http://conocimientodemisersuperior.blogspot.com.es/2012/10/el-diablo-que-no-conoces-como-nos.html
LA MUSICA INDUSTRIAL =musica basura
sigue decayendo la creatividad musical:
¿Su principal objetivo?: revelar el modo en que la empresa norteamericana obligó al pueblo a conformarse.»Newskeek
«La industria publicitaria convirtió la retórica contracultural de la revolución en un eslogan para incentivar el consumo, y ademas el proceso en sí fue, de hecho, anterior a cualquier movimiento contracultural » Geoff Pevere, Toronto Globe and Mail
A principios de los sesenta las agencias de publicidad evolucionaron.
Los medios de masas anticiparon el espíritu de la contracultura y lo emplearon con descaro y réditos para generar su particular giro copernicano. Al ir por delante supieron leer bien el contexto y sacarle partido.
Los anuncios rebosan inteligencia y no sólo quieren dirigirse a veinteañeros. Asimilan su léxico y su estética transmitiendo estos conocimientos a los otros segmentos demográficos; de este modo alejan el temor a lo revolucionario y lo integran en el tejido social mediante la indumentaria, el automóvil y otros objetos económicos para capear el temporal e imponer un dinamismo superior al consumo, que metamorfosea los modos de vida y elimina las temporadas promocionándose por tierra, mar y aire.
En este sentido la moda masculina es el mayor exponente.
En este sentido la moda masculina es el mayor exponente.
Hasta mediados de los sesenta muchos hombres tenían un armario anodino con camisas blancas, dos o tres trajes, calcetines negros, dignos zapatos y un buen sombrero. La aparición de los baby boomers supuso una bendición para la industria, que no hallaba el mecanismo exacto para dejar la enfermería.
El éxito del fashion entre el público femenino se trasladó al masculino, que rápidamente cayó presa de la vorágine. Los trajes perdieron su aspecto de antigualla, los complementos causaron furor y la oferta nunca terminaba, hasta el punto que una fábrica tenía un cálculo matemático que ofrecía dos millones de diferentes posibilidades.![]()
El éxito del fashion entre el público femenino se trasladó al masculino, que rápidamente cayó presa de la vorágine. Los trajes perdieron su aspecto de antigualla, los complementos causaron furor y la oferta nunca terminaba, hasta el punto que una fábrica tenía un cálculo matemático que ofrecía dos millones de diferentes posibilidades.
De lo homogéneo el rumbo viró a la exaltación del individuo y la "rebeldía" con destellos de autenticidad para completar el cuadro. ¿Les suena, verdad?
El origen está en los sesenta. Unos pusieron la ilusión y en el entusiasmo, otros la creatividad y la astucia al servicio del capital y de sus propios bolsillos. Nixón ganó las elecciones y la marea psicodélica fue diluyéndose.
El origen está en los sesenta. Unos pusieron la ilusión y en el entusiasmo, otros la creatividad y la astucia al servicio del capital y de sus propios bolsillos. Nixón ganó las elecciones y la marea psicodélica fue diluyéndose.
Lo mismo sucedió con las vanguardias. Cayeron derrotadas cuando la publicidad normalizó su contenido. Thomas Frank aborda la cuestión y lo hace con datos contrastados, copiosa documentación y un estilo que conecta los múltiples enlaces temáticos con elegancia y mucha inteligencia.
Tumba la fachada y ubica en el escenariola máquina que movía los hilos con precisión quirúrgica.
El clímax del verano del amor y los últimos años de la década prodigiosa coincidieron con los de mayor ímpetu y eficacia de las agencias de publicidad en su revolución creativa.
Luego aterrizó la crisis y la homologación campó a sus anchas.
Los elementos anquilosados desaparecieron y los anuncios se llenaron de fundamental ironía, ropas de colores chillones, chicas de California, actitudes rompedoras y una feroz autocrítica que lavaba la cara a los errores de los mayores, estableciendo un lenguaje que hacía guiños constantes a hippies y otros grupos al tiempo que, el paradigma es el caso Wolkswagen, ofrecían productos bajo consignas de longevidad y fiabilidad. Lo veloz y lo intemporal en armonía.El propio sistema capitalista se valió de los lemas que llamaban a su destrucción para continuar creciendo.
En un ejercicio de asimilación y apropiación reseñable, la publicidad se valió de los movimientos contraculturales para vender y así, hasta hoy.
Los lemas de marcas como Nike, Apple o Starbucks, por citar alguna de ellas, son producto de los cambios de mentalidad que se produjeron en aquella época.
Hasta la inventora de la minifalda aparece mencionada:
Hasta la inventora de la minifalda aparece mencionada:
“Mary Quant, la ‘gran sacerdotisa de la moda joven’, ayudó a promocionar la marca afirmando que ‘Ahora que ya no hay reglas… no hay nada parecido a lo que está de moda o no’ “.
INTERESANTISIMO DOCUMENTAL SOBRE LA MANIPULACION DE LA POBLACION A TRAVES DE LOS DESCUBRIMIENTO EN LA PSICOLOGIA DESPUES DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL:
anonimo INTERESANTISIMO DOCUMENTAL SOBRE LA MANIPULACION DE LA POBLACION A TRAVES DE LOS DESCUBRIMIENTO EN LA PSICOLOGIA DESPUES DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL:
La degradante modernidad y su liberalismo corrompe la sociedad
Actores de Hollywood pusieron de moda las GAFAS OSCURAS...AÑOS 30 ..
El uso común de las gafas de sol no llegó hasta que en 1929 Sam Foster al frente de Foster Grant Company comenzó la producción y distribución masiva de gafas de sol a un precio asequible en Atlantic City, extendiéndose rápido por el resto de Estados Unidos y ...claro ...del mundo.
Poster promocional de Foster Grant
Fueron las mujeres las que mayoritariamente se sumaron a esta moda como parte de su "liberación" e índice de una nueva vida que iba más allá de las tareas domésticas del hogar.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, se pusieron de moda para los hombres, bajo la influencia de la estética de militares y aviadores de Norteamérica, las gafas con lentes de espejo con finas armaduras metálicas, adquiriendo connotaciones de marcada virilidad, estilo que se mantuvo en vigencia y fue adoptado por algunos intérpretes del rock de finales de los años 50 como Lou Reed y Bob Dylan.
En el siglo XX las gafas de sol pasan a formar parte de la moda. Las actrices recurren a ella para intentar esconder sus identidades. Aquí, Marlene Dietrich.
Revista LIFE. 1938.Foto por Alfred Eisenstaedt
La finalidad de esta operación de largo alcance diseñada por la CIA y los servicios secretos británicos era introducir dentro del movimiento revolucionario juvenil tres nuevos elementos: las creencias esotéricas, mágicas y ocultistas; el consumo masivo de drogas y la aceptación del nuevo sonido del rock and roll y los conciertos multitudinarios.
Con estos tres elementos los antropólogos y sociólogos de las inteligencias británica y norteamericana pensaron que lograrían que los jóvenes idealistas entrasen en un proceso de alejamiento del mundo real, lo que conllevaría la pérdida de sus objetivos políticos.
![]( "beatles")
![]( "adorno")
“La responsabilidad de elaborar una teoría social del rock and roll recayó en el sociólogo, musicólogo y compositor alemán Theodor Adorno, ‘uno de los principales filósofos de la Escuela de Frankfurt de Investigación Social…’
Adorno fue enviado a Estados Unidos en 1939 para dirigir el Proyecto de Investigación de la Radio de Princetown, un esfuerzo conjunto del Tavistock y de la Escuela de Frankfurt con el objetivo de controlar a las masas, financiado por la Fundación Rockefeller y fundado por uno de los hombres de confianza de David Rockefeller, Hadley Cantril…”
“De hecho, los nazis habían utilizado intensivamente la propaganda radiofónica como instrumento de lavado de cerebro y la habían convertido en un elemento integral del Estado fascista. Este hecho fue observado y estudiado por las redes del Tavistock y utilizado extensivamente en sus propios experimentos.
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No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del siglo XX como lo ha hecho Carlos Granés
LA BASURA DEL ARTE MODERNO IMPULSADO POR LOS INGENIEROS SOCIALES
Las nuevas religiones New Age:
Pocos adeptos de ese tipo de gurús sospechan que en realidad sus creencias son fruto de una amalgama generada por la CIA en los años 60′s para eliminar la creciente conciencia política que volvía peligrosa a la juventud estadounidense por aquellos años y sentar las bases para la implatación de la new age, la psudoespiritualidad del Nuevo Orden Mundial. La finalidad de esta operación de largo alcance diseñada por la CIA y los servicios secretos británicos era introducir dentro del movimiento revolucionario juvenil tres nuevos elementos: las creencias esotéricas, mágicas y ocultistas; el consumo masivo de drogas y la aceptación del nuevo sonido del rock and roll y los conciertos multitudinarios.
Con estos tres elementos los antropólogos y sociólogos de las inteligencias británica y norteamericana pensaron que lograrían que los jóvenes idealistas entrasen en un proceso de alejamiento del mundo real, lo que conllevaría la pérdida de sus objetivos políticos.
La creacion mitica de los Beatles:
“‘Durante dos domingos seguidos, algo sin precedentes, en el programa de Ed Sullivan -nos cuenta Donald Phau en The Satanic Roots of Rock-, más de setenta y cinco millones de norteamericanos vieron cómo los Beatles agitaban la cabeza y movían el esqueleto en un ritual que pronto iba a ser copiado por cientos de futuros grupos de rock’.”
“El hombre encargado de que a los estadounidenses les ‘gustaran’ los Beatles fue Walter Lippmann.
Los Beatles, el grupo más parodiado y versionado de la historia de la música, fueron puestos ante el público norteamericano para que fueran descubiertos.”
“Entra Theo Adorno“, se titula uno de los epígrafes iniciales.
“La responsabilidad de elaborar una teoría social del rock and roll recayó en el sociólogo, musicólogo y compositor alemán Theodor Adorno, ‘uno de los principales filósofos de la Escuela de Frankfurt de Investigación Social…’ Adorno fue enviado a Estados Unidos en 1939 para dirigir el Proyecto de Investigación de la Radio de Princetown, un esfuerzo conjunto del Tavistock y de la Escuela de Frankfurt con el objetivo de controlar a las masas, financiado por la Fundación Rockefeller y fundado por uno de los hombres de confianza de David Rockefeller, Hadley Cantril…”
“De hecho, los nazis habían utilizado intensivamente la propaganda radiofónica como instrumento de lavado de cerebro y la habían convertido en un elemento integral del Estado fascista. Este hecho fue observado y estudiado por las redes del Tavistock y utilizado extensivamente en sus propios experimentos.
El objetivo de este proyecto, como se explica en la Introducción a la sociología de la música del propio Adorno, era «programar una cultura ‘musical’ de masas como una forma de control social masivo…”
“‘Las cadenas de radio se convirtieron en unas máquinas que reciclaban durante veinticuatro horas al día los cuarenta mayores éxitos’.”
La tesis de una juventud más preparada y dotada para enfrentarse al mundo real se considera incuestionable. Hoy un joven de 15 años, se dice, sabe más física que Newton y más filosofía que Aristóteles. Es probable, en términos absolutos, el conocimiento avanza y es acumulativo.
Pero dudo mucho que tengan la misma capacidad de razonamiento.
Lamentablemente estas afirmaciones, extendidas en determinados ambientes, son una caricatura que distorsiona la realidad. Mirar con esta lente supone construir una imagen llena de aberraciones. Tener acceso a Internet, y no todos, gozar de teléfono móvil, twitter y participar de redes, supone estar mejor formado.
No creo que la juventud de hoy esté mejor formada que sus antecesoras. Tiene especificidades, eso sí, propias de la época, pero ni peor ni mejor preparada, ni más tonta ni más inteligente. Incluso, si me apuran, el nivel de ignorancia funcional de los actuales licenciados y doctores en cualquier disciplina es cuando menos alarmante.
En una reciente encuesta realizada en la facultad de biología de la Universidad Complutense, 76.8 por ciento de estudiantes de cuarto y quinto curso reconocieron no haber leído a Charles Darwin. Y por experiencia, los futuros graduados en ciencias políticas y sociología no conocen a Mills, Sorokin, Adorno, Aron, Marcuse o Popper, ni pensar en la lectura de los clásicos, a lo más resúmenes de Marx, Weber o Durkheim. Desconocen corrientes y escuelas de pensamiento. No saben citar bibliografía o situar países en el mapa.
Los errores gramaticales y ortográficos son mayúsculos. Lo dicho, sin ánimo de molestar, es extensible a todas las áreas del conocimiento humano. Y se hubiese estudios comparados entre diferentes generaciones de universitarios a día de hoy, no creo que las actuales salgan mejor paradas que sus iguales. Hoy el sistema educativo en el neoliberalismo es un cascarón vacío. No prepara ciudadanos, no forma para ser mejores personas, sólo le interesa tener mayor control sobre la población y entre más ignorantes mejor. Poseer una licenciatura o posgrado no da conocimientos, otorga título y estatus. Esa es su lógica, no lo olvidemos.Fuente original: http://www.jornada.unam.mx/2012/07/14/opinion/022a1mun
El puño invisible
El libro de Carlos Granés rastrea una de las más perversas derivas de la cultura posmoderna:
la dictadura de nuestro tiempo en que se pasó de justificar a reemplazar a la obra de arte
El libro narra cómo al comenzar el siglo XX, en la neutral Suiza, convivieron dos grupos de revolucionarios:
los primeros —bajo la férula de Lenin— se proponían transformar la sociedad, la economía y la política gracias a una revolución que daría vida a un nuevo mundo donde la propiedad privada terminaría por diluirse y desaparecer;
los segundos —agrupados en el dadaísmo— también se preparaban para una revolución con un objetivo absolutamente distinto: “transformar las mentes, las costumbres, los valores y la forma de vivir de las personas”.
No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del siglo XX como lo ha hecho Carlos Granés
La ambición que alienta su ensayo es desmedida, pues equivale a la de querer encerrar un océano en una pecera, o a todas las fieras del África en un corral.
Y no sólo ha conseguido este milagro;
además, se las ha arreglado para poner un poco de orden en ese caos de hechos, obras y personas y, luego de un agudo análisis de las ideas, desplantes, manifiestos, provocaciones y obras más representativas de eseprotoplasmático quehacer que va del futurismo a la posmodernidad, pasando por el dadaísmo, el surrealismo, el letrismo, el situacionismo, y demás ismos, grupos, grupúsculos y sectas que en Europa y Estados Unidos representaron la vanguardia, sacar conclusiones significativas sobre la evolución de la cultura y el arte de Occidente en este vasto periodo histórico.
El mérito mayor de su estudio no es cuantitativo sino de cualidad. Pese a su riquísima información, no es erudito ni académico y no está estorbado de notas pretenciosas. Su sólida argumentación se alivia con un estilo claro y vivaces biografías y anécdotas sobre los personajes centrales y las comparsas que, pintando, esculpiendo, escribiendo, componiendo, o, simplemente imprecando, se propusieron hacer tabla rasa del pasado, abolir la tradición, y fundar desde cero un nuevo mundo radicalmente distinto de aquél que encontraron al nacer. Eran muy distintos entre sí pero todos decían odiar a la burguesía, a la academia, a la política y a los usos reinantes.
Todos hablaban de revolución aunque la palabra tuviera significados distintos según las bocas que la pronunciaran. Querían liberar el amor, cambiar la vida, dar derecho de ciudad a los deseos, traer la justicia a la tierra, eternizar la niñez, el goce y los sueños, y eran tan puros que creían que los instrumentos adecuados para conseguirlo eran la poesía, los pinceles, el teatro, la diatriba, el panfleto y la farsa.
Había entre ellos verdaderos pensadores, poetas y artistas de gran valía, como un André Breton o un George Grosz, y abundaban los agitadores y bufones, pero todos, hasta los más insignificantes entre ellos, dejaron alguna huella en un proceso en el que, como muestra admirablemente el libro de Carlos Granés, la literatura, las artes y la cultura en general fueron cambiando de naturaleza, reemplazando el fondo por las puras formas, y trivializándose cada vez más, en tanto que, en el curso de los años, pese a sus insolencias y audacias, el establecimiento iba domesticando a unos y a otros y reabsorbiendo toda esa agitación contestataria hasta corromper literalmente -mediante la opulencia y la fama- a los antiguos anarquistas y revolucionarios.
Algunos se suicidaron, otros desaparecieron sin pena ni gloria, pero los más astutos se hicieron ricos y célebres, y alguno de ellos terminó invitado a tomar el té a la Casa Blanca o ennoblecido por la Reina Isabel.
Andy Warhol recibió un balazo en el estómago por el delito de ser hombre (según explicó su victimaria, Valerie Solanas), pero, en vez de 15 minutos, su gloria duró decenios y todavía no se extingue.
Pese a lo amenas y pintorescas que suelen ser las páginas de El puño invisible cuando relatan las matonerías de Marinetti, las extravagancias de Tzara, las audacias de Duchamp, el cerebralismo de John Cage y sus conciertos silenciosos, las locuras de Isidore Isou, el frenético exhibicionismo de un Allen Ginsberg, o el salto del taller de pintura al terrorismo de algunos vanguardistas italianos, alemanes y norteamericanos, el libro de Granés es profundamente trágico. Porque, con todo el respeto y la simpatía con que él investiga y se esfuerza por mostrar lo mejor que hay en aquellas vanguardias, no puede evitar que su ensayo sea la constatación de un enorme desperdicio, de un absoluto fracaso. Un verdadero parto de los montes del que sólo salieron ratoncillos.
¿Qué quedó de tanta alharaca y desvarío? En cuanto a obras concretas, casi nada. Lo menos perecedero que en pintura, poesía, música e ideas se produjo en Occidente en esos años no formó parte o, si lo hizo, se apartó pronto de la "vanguardia" y tomó otro rumbo: el de Mahler, Joyce, Kafka, Picasso o Proust. Aquélla acabó por convertirse en un ruidoso simulacro que, a menudo, galeristas, publicistas y especuladores del establecimiento trastocaron en pingüe negocio. O, todavía peor, en una payasada ridícula. Una vez más quedó claro que el arte y la literatura progresan con realizaciones concretas -obras maestras- más que con manifiestos y bravatas, y que la disciplina, el trabajo, la reelaboración inteligente de la tradición, son más fértiles que el fuego de artificio o el espectáculo-provocación.
Una de las últimas escenas que describe El puño invisible es una exposición muy peculiar de Yves Klein, quien, por ese entonces, propugnaba la teoría de la "desmaterialización del objeto". Fiel a su tesis, el artista presentaba una galería vacía, sin cuadros ni muebles. El visitante recibía al ingresar un cóctel azul "que lo mantenía orinando del mismo color durante varios días".
¿Y la obra exhibida? "No existía: o sí, la llevaba el visitante en la vejiga", explica Granés.
Por esos mismos días, Piero Manzoni convertía en arte todos los cuerpos humanos que se cruzaban en su camino, con el dispositivo mágico de estamparles su firma en el brazo. Otros, comían excrementos, adornaban calaveras con brillantes, o, como el celebrado Michael Creed, ganador del Turner Prize, prendían y apagaban la luz de una sala, proeza que la Tate Britain celebró explicando que, a través de este paso de la oscuridad a la claridad, el artista "exponía las reglas y convenciones que suelen pasar desapercibidas". (Y es seguro que se lo creía).
Después de muchas páginas dedicadas a rastrear una de las más perversas derivas de la cultura posmoderna, es decir, la dictadura de la teoría que en nuestro tiempo pasó de justificar a reemplazar a la obra de arte, Carlos Granés afirma, con toda razón:
"No se puede premiar sistemáticamente la estupidez y esperar que esto no traiga consecuencias sociales y culturales".
Esta frase resume de manera prístina la absorbente historia que cuenta su libro:
cómo una voluntad de ruptura y negación que movilizó a tantos espíritus generosos desde los comienzos del siglo XX y que conmovió hasta las raíces las actividades artísticas y literarias del mundo occidental, fue insensiblemente deshaciéndose de todo lo que había en ella de creativo y tornándose puro gesto y embeleco, es decir, un espectáculo que divertía a aquellos que pretendía agredir, arrastrando por lo demás, en esta caída en el infierno de la nadería, a los cánones, patrones y tablas de valores que habían regulado antes la vida cultural. Acabaron con ellos pero nada los reemplazó y desde entonces vivimos, en este orden de cosas, en la más absoluta confusión.
Por eso, sólo al terminar este magnífico libro descubren los lectores la razón de ser de su bello título: aunque en cien años de vanguardia no construyera muchas cosas inmarcesibles en el dominio del espíritu, el poder destructivo de ese "puño invisible" sí fue cataclísmico. Ahí están, como prueba, los escombros que nos rodean. © Derechos mundiales de prensa en todas las lenguas reservados a Ediciones EL PAÍS, SL, 2011. © Mario Vargas Llosa,
![]( "twiggy-1-1-1")
Con motivo del 50 aniversario de este judaico-fabiano invento, me veo en la obligación de investigar esta prenda que marcó un hito entre las más pelandruscas.
La minifalda, como muchos sabreís fue inventada por la diseñadora británica Mary Quant. Unos cuantos datos sobre esta tipeja y su “invento” que nos harán comprender qué se escondía detras de esta moda.
1)Mary Quant estudió en la Escuela de Arte Goldsmith de Londres. Este instrumento del imperialismo judeoanglosajón tuvo dos directores(los únicos que me salen en la wikipedia) cuya biografía nos puede ayudar a entender en que tipos de ambientes se movía Mary:
Richard Hoggart: sirvió con la artillería real durante la Segunda Guerra Mundial y fue desmovilizado como Capitán Mayor. Hoggart fue testigo experto en el juicio del caso Lady Chatterley en 1960. Fundó la institución Centro de Estudios Culturales Contemporáneos en 1964 y fue su director hasta 1969. Este centro era un propagador de la diarrea mental de la judaica Escuela de Frankfurt, feminazismo, jetas fabianos del LSE y Skull & Bones de Yale.
Hoggart fue Subdirector General de la UNESCO (1971-1975) y, finalmente, Guardián de la Universidad Goldsmiths de Londres (1976-1984). Hoggart fue miembro de numerosos organismos públicos y comités, incluyendo el Comité de Albermarle de Servicios para la Juventud (1958-1960), el Comité de Pilkington de Radiodifusión (1960-1962), el Consejo de las Artes de Gran Bretaña (1976-1981, Primer Presidente del Consejo fue John Maynard Keynes.
Bajo el Harold Wilson Gobierno de 1964-70 el Consejo de las Artes disfrutó de una Edad de Oro gracias a la estrecha relación entre el Presidente Arnold Goodman- miembro de la Sociedad Eugenésica, robó 10 millones de libras para donarlos al Partido Laborista, siniestro “poder detrás del trono” que ejerce enorme influencia en la clase dirigente británica Goodman amenazó a los periodistas que investigaron al político conservador pedófilo y barón Robert Boothby, amigo(y amante de uno de ellos) de los judaicos gemelos gángsteres Kray, a su vez amigos de Frank Sinatra- y la ministra de artes y baronesa Asheridge Jennie Lee quien hizo campaña para que fuera rector el agente británico Bertrand Russell) y de la Nación Publishing Company Ltd (1977-1981). Asimismo, fue presidente del Consejo Asesor de Adultos y Educación Continua (1977-1983), y la Unidad de Investigación de Radiodifusión (1981-1991), así como gobernador de la Royal Shakespeare Theatre (1962-1988).
Ben Pimlott: investigador de la London School of Economics(escribió Ensayos fabianos en el pensamiento socialista), político laborista y Presidente de la Sociedad Fabiana en 1993/1994. Estuvo casado con Jean Seaton, historiadora oficial de la BBC y Presidente de los jueces del Premio Orwell en 2007.
2) Comenzó su carrera a mediados de la década de 1950 en esa ciudad, donde conoció a Alexander Plunket Green.
El abuelo de Alexandre es el Barón Sir Charles Hubert Hastings Parry, compositor mejor conocido por la coral canción ” Jerusalén “(extrañísima canción mesiánica, casi el himno británico, con referencias satánicas utilizada como lema de la campaña por el Partido Laborista en el elección general 1945), profesor de música de la elitista Oxford y casado con hija del político Sidney Herbert, amigo del judío primer ministro Benjamin Disraeli.
El padre y abuelo de Charles fueron directores de la British East India Company y el padre, Thomas, también fue un destacado miembro de la Sociedad eclesiológica(dedicada a la construcción de iglesias como los masones).
Tios de Alexandre son Michael Gambier-Parry (capitán de la Primera Guerra Mundial galardonado con la Cruz Militar en la Segunda Guerra Mundial fue ayudante de campo del rey, entonces Jefe de la Misión Militar Británica de Atenas en 1940) y el brigadier Richard Gambier-Parry (1894-1965) que sirvió en los Reales Fusileros Galeses en la Primera Guerra Mundial y fue reclutado por el almirante anti-bolchevique y pro-nazi Hugh Sinclair-credor de la organización Z- para formar la Sección VIII, la sección de comunicaciones del Servicio Secreto de Inteligencia. Después de la Segunda Guerra Mundial, fue Director de Comunicaciones del Ministerio de Relaciones Exteriores y el SIS.
3) Mary Quant promovió un arquetipo de mujer-niña anoréxica, encargado a la perfección por la modelo Twiggy: la primera supermodelo, actriz y cantante, nombrada como “el rostro de 1966″ por el periódico inglés Daily Express(fundado por Sir Cyril Arthur Pearson, por medio de la publicación de los textos del asesino de niños Robert Baden-Powell, Pearson colaboró grandemente a la fundación del Escultismo).
Una conocida insistía en que debía probar suerte como modelo, pero ella pensaba que no lograría nada, por lo que respondía riendo; ya que era demasiado delgada y pequeña como para cumplir con el canon de la época.
Finalmente, acudió donde una Señora, en una revista, a la que la había recomendado un amigo de un amigo y ésta, amablemente le dijo “Creo que eres muy pequeña, pero tienes facciones muy interesantes, podrías hacer fotografías de belleza, pero tu cabello está mal…”,1 por lo que la enviaron donde Leonard, un estilista ,para que le tiñeran y cortaran el pelo.
Leonard llamó a Barry Lategan, un fotógrafo conocido y le dijo ” Tengo aquí a una chica con un look muy interesante, pero nunca se ha tomado una foto. Quiero hacer mi nuevo corte de cabello en ella. Si la envío ¿podrías ponerla frente a la cámara y decirme si es fotogénica?”.
(Su Alteza Real la Princesa Ana, Paul y Linda McCartney, Iman, la feminazi concursante de Gran Hermano Germaine Greer, el judío Calvin Klein, Sol Campbell, John Major, Margaret Thatcher y Salman Rushdie son sólo algunas de las caras famosas que han aparecido frente a su lente.
Su carrera como fotógrafo de moda también se ha visto mucho de su trabajo hacen a las páginas y portadas de las ediciones internacionales de Vogue, el calendario Pirelli y Harpers Bazaar). Para cuando llegó donde Lategan, Twiggy fue presentada con su nombre real (Leslie) y, en medio de la sesión, debido a algo que hizo, su novio dijo “¡Oh, Twiggy!” apodo dado por el hermano de éste debido a sus delgadas piernas. A Lategan le pareció un apodo perfecto para una modelo y le dijo ” si llegas a modelar, deberías usarlo”.
Su singular look aún hoy sigue inspirando a los grandes creadores de moda. Llevar el pelo rubio platino, muy corto y engominado, con raya a un lado(a lo chico, a la élite malthusiana le encanta la ambigüedad sexual), fue una de sus características más rompedoras, una imagen que consiguió gracias a los consejos del estilista judío Vidal Sassoon. Aparte de estos detalles, su físico delgado y de eterna adolescente(poco apto para un buen desarrollo del embarazo) supuso una revolución, ya que hasta entonces los cánones de belleza tenían como modelo a mujeres de cuerpos curvilíneos, como el de la mítica Marilyn Monroe.
Además, y sin dejar de sorprender, ha dejado claro que es una mujer polifacética, ya que también ha grabado varios discos (When I Think of You, Over and Over, Twiggy y Please Get My Name Right) y hay varios libros sobre su persona, entre los que destaca “Twiggy: How I Probably Just Came Along on a White Rabbit at the Right Time and Met the Smile on the Face of the Tiger” (En español: Cómo probablemente me topé con un conejo blanco en el momento adecuado y vi la sonrisa en la cara del tigre, una alusión al libro del pedófilo Carrol y su simbología MKULTRA), el cual fue vendido con Twiggy como autora, cuando en verdad fue escrito por un periodista estadounidense.
Twiggy se casó con el actor inglés Leigh Lawson, con quien vive en Inglaterra. Leigh trabajó con directores de cine como el judío violaniñas Roman Polanski y Franco Zeffirelli( homosexual- el director Bruce Robinson afirma haber sido acosado sexualmente por él- católico, Comandante Caballero de la Orden del Imperio Británico y ex senador (1994-2001) para el partido italiano de centro-derecha Forza Italia.
Descubierto por el efebófilo Luchino Visconti, también trabajó con directores como Vittorio De Sica y Roberto Rossellini).
En 1999 co-escribió y dirigió el musical Si el amor fuera todo, que habla de la amistad entre Gertrude Lawrence y Noël Coward( recuerden a este pedófilo agente de la inteligencia británica que ya nos salió en el post “SE REABRE EL CASO NATALIE WOOD”). Lawson ha jugado un papel activo en la vida de sus hijos, incluyendo a su sobrino, el DJ Saúl Dismont(sobrino de actor Sir John Mills quien fue nombrado Leyenda de Disney por The Walt Disney Company y primo del músico Hare Krisna Crispian Mills, miembro de The Jeevas y ex Kula Shaker), que es el hijo de la hermana de Lawson y político laborista de las Bermudas Russell Dismont(fabiano de la London School of Economics).
Amigos de la familia son Richard Attenborough(otro pervertido que salió en el post “SE REABRE EL CASO NATALIE WOOD“) y actor bisexual Sir Laurence Olivier, sobrino del fabiano laborista y gobernador de Jamaica Sydney Olivier, 1r barón Olivier.
En 1998 sorprendió a todos cuando participó en un dueto con Twiggy Ramirez(Su madre Dana fue bailarina para bandas como The Ramones, actor de fondo en la película Lost Highway del judío David Lynch), bajista de Marilyn Manson(Apareció en Jawbreaker, Lost Highway de David Lynch, amigo del judío pervertido charlatán Alejandro Jodorowsky) realizando un cover de la canción de Dusty Springfield(símbolo para la cultura lesbiana, la Reina Isabel II de Inglaterra le concedió la Orden del Imperio Británico en 1999) “I only want to be with you”. De hecho, Ramirez utiliza este sobrenombre en honor a ella.
3) Popularizaron la prenda aparte de Twiggy:
Brigitte Bardot: mito erótico de los 50 y 60 convertida en una ultraderechista islamófoba. Grabó un disco con el depravado sionista Serge Gainsbourg.
Françoise Hardy: Cuando en su adolescencia le regalaron su primera guitarra todo cambió para Françoise. Expresaría su estado emocional mediante la música, pero para ello tendría que recibir una instrucción previa en canto. Nada mejor que acudir al Petit Conservatoire de la judía Mireille Hartuch (colaboró con el letrista y galardonado con el Orden de Francisco , una marca de la estima del régimen de Vichy, Jean Nohain, apadrinado por el inventor de la chorrada burguesa de la patafísica.
En 1931, apareció en una película con Douglas Fairbanks Jr- ahijado de Mary Pickford, buen amigo de Sir Laurence Olivier y casado con la actriz Joan Crawfor, fueron en luna de miel a Inglaterra, donde él fue recibido por Noel Coward y el Príncipe Jorge, duque de Kent.
Se mostró interesado en la alta sociedad y en la política, pero para entonces Crawford estaba más interesada en su carrera y en su nuevo affaire con el psicópata Clark Gable. En 1940 el Presidente de los Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt le nombró enviado especial a la Special Mission en América del Sur-. Su carrera como escritora de canciones despegó cuando sus canciones fueron grabadas por grandes cantantes franceses de la época, como Maurice Chevalier, prisionero de guerra liberado gracias a la intervención del rey Alfonso XIII de España y actor en La viuda alegre (The Merry Widow), del judío antisovietico-Ninotchka (1940)-Ernst Lubitsch. Amiga de Jean Cocteau, Colette, Albert Camus y André Malraux y esposa de filósofo judío Emmanuel Berl, amigo del surrealista homosexual Louis Aragon y del colaboracionista Pierre Drieu La Rochelle). Cantante conocida, el director cinematográfico judío Claude Lelouch realizó un scopitone (videoclip).
La Metro Goldwyn Mayer la invita el 21 de diciembre de 1966 a ir a la primera proyección de la película Château en Suède en Nueva York con Yves Montand, protagonista francés del film.
En ese momento la judaica Warner, de acuerdo con Vogue, difunde sus discos en el mercado americano. En 1967 rompe con Jean-Marie Périer y canta “Ma jeunesse fout le camp”, una canción de Guy Bontempelli, otro de sus grandes éxitos, como los años siguientes “Des ronds dans l’eau” et “Comment te dire adieu” (esta última con letra del judío pervertido Serge Gainsbourg). En 1981 se casó con Jacques Dutronc(“Les play-boys”, fue número 1 y el tercero, “Les cactus”, hizo que hasta el primer ministro de la época, Georges Pompidou-secretario del judío Rothschild- lo usara en un discurso en la Asamblea Nacional. Todos sus textos en los años sesenta son del judío Jacques Lanzmann, escritor, periodista, hermano de Claude Lanzmann (ex secretario del judío peñazo Jean-Paul Sartre).
En 1972, empieza su colaboración con el judío Serge Gainsbourg. En 1973, Dutronc inició una también importante carrera cinematográfica con “Antoine et Sébastien” de Jean-Marie Périer, el ex novio de la esposa de Jacques, Françoise Hardy. Su primer éxito como actor fue en “Lo importante es amar” (L’important c’est d’aimer), de Zulawski, 1975, con Romy Schneider. En 1991, consiguió un César como protagonista de la película Van Gogh de Maurice Pialat. Su filmografía incluye películas como “Le bon et les méchants”, de Claude Lelouch, “Violette et François” de Jacques Rouffio, Mado de Claude Sautet, ‘Sauve qui peut la vie’ de Jean-Luc Godard, “Tricheurs”, de Barbet Schroeder, “Toutes peines confondues”, de Michel Deville, “Place Vendôme”, de Nicole Garcia, “Merci pour le chocolat”, de Claude Chabrol, “C’est la vie”, de J.P. Amaris o “Le deuxième souffle”, de Alain Corneau. En total, aparece en casi 40 películas del pervertido cine francés).
Nancy Sinatra: hija del mafioso Frank Sinatra(sí, el amiguito de los mafiosos psicópatas judíos Kray, todo cuadra). Puso su voz a la banda sonora de la quinta película de James Bond Sólo se vive dos veces con la canción You Only Live Twice. En 2004 lanzó su último disco hasta el momento: To Nancy with Love, con colaboraciones como Bono. El 11 de mayo de 2006 recibió una estrella en el Paseo de la fama en Hollywood. Aparecio en The Wild Angels, del judío Roger Corman.
These Boots are Made for Walkin’
Esta canción, que también ha sido versionada por Amanda Lear, María Castedo y Jessica Simpson, entre otras cantantes, fue compuesta por Lee Hazlewood para él mismo. Aunque la canción se convirtió en todo un símbolo de la emancipación de la mujer en la década de los 60, hubiera sido toda una canción machista si hubiera sido cantada por Hazlewood. Y es que dice algo así cómo “si tú me has dejado, yo te aplastaré con mis botas”. Pero Nancy, con un físico de maniquí y con una picardía única, consiguió de ella un himno feminista que el judío Stanley Kubrick utilizó cómo banda sonora para La chaqueta metálica.
Pattie Boyd: ex modelo de Mary Quant, chochete de George Harrison(de los satánicos caballeros del imperio británico Beatles, grupo llevado por el judío Brian Epstein) y Eric Clapton(Otra estrellota drogadicta. Racista, en agosto del 76 Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra.
Visiblemente intoxicado, dio su apoyo a un candidato político de la época llamado Enoch Powell(Partido unionista de Ulster ) y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra.
Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios. Colaborador (al igual que el boss) de la farsa imperialista Amnistía Internacional.
En 2002, Eric tocó en Party at the Palace, concierto con el que se celebraron los 50 años de reinado de la Reina Isabel II. También hizo una aparición en un concierto del judaico cansino Bob Dylan en Columbus.)
Jean Shrimpton: protagonizó junto a Paul Jones la extraña película de 1967 “Privilegios”(La historia está ambientada en el futuro cercano después de la década de 1970 y se refiere a una cantante de pop desilusionados, interpretado por Jones, quien es manipulado por la Iglesia y el Estado que tratan de convertirlo en un mesiánico líder) producida por John Heyman( Durante la Segunda Guerra Mundial, su padre trabajó para el Ministerio de Información, y después de la guerra se convirtió en el corresponsal financiero de la revista The Economist, The Financial Times y Neue Zürcher Zeitung.
La madre de John, sufragista y a la vez profesora de estudios rusos, estudiandió permanente, recogiendo a su séptimo grado (en Economía) de la fabiana London School of Economics, a la edad de 70 años) y con guión de Norman Bogner(estudió en la rockefelleriana New School for Social Research, dio a conocer al payaso de Fernando Arrabal).
Shrimpton, estuvo comprometido con el fotógrafo Comendador de la Orden del Imperio Británico David Bailey(autor de la foto más famosa de los judaicos gemelos Kray, abajo).
Su hermana más joven Chrissie también fue actriz, vinculada a al satánico Mick Jagger.
![]( "Krays")
4)Es una de las pocas diseñadoras británicas que fue condecorada por la reina Isabel II de Inglaterra. En 1966 recibió la Orden del Imperio Británico (un grado superior del que la soberana entregó a los Beatles), y la recibió, por supuesto en minifalda. Con sus 70 años, vive en las afueras de Londres y trabaja como consultora de la empresa que lleva su nombre. Mantiene el peinado del estilista judío Vidal Sassoon que fue su marca registrada. Su gran frustración, ha dicho, es no haber visto a la ex primera ministra Margaret Thatcher luciendo una de sus creaciones.
Conclusión: el invento no es más que un instrumento de la ingenieria social de la élite judeo-fabiana que utiliza la hipersexualización para dominar a la borregada.
” Edward Bernays(fundador de la primera compañia de RR.PP.) afirmó que «el ciudadano medio es el censor más eficaz del mundo. Su propia mente es la mayor barrera que lo separa de los hechos. Sus propios “compartimentos estancos lógicos” y su propio absolutismo son los obstáculos que le impiden ver en términos de experiencia y pensamiento en lugar de en términos de reacción grupal… Para el animal gregario, la soledad física es un miedo real y esa asociación con el rebaño le provoca una sensación de seguridad.
En el hombre, este miedo a la soledad crea un deseo de identificación con el rebaño en cuestiones de opinión». La MTV ha utilizado este «deseo de identificación» para lavar el cerebro a un gran número de personas.”
Las mujeres se tomaron como una liberación el ser un objeto sexual e ir congelándose el potorro en invierno y los tios nunca dijimos nada porque somos unos sálidos y la élite lo sabe mejor que nosotros.
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En toda época y en todo lugar los grandes movimientos políticos han entendido que sin una dimensión artístico-cultural, añadida a su pensamiento filosófico-político y a sus directrices económicas, sus posibilidades de triunfo se reducían de forma dramática.
Porque sin duda nada como el Arte para lanzar mensajes subliminales que van dirigidos al ánimo y a las pasiones del observador, modelando su actitud frente al mundo con una eficacia que está fuera del alcance de las teorías económicas y de los razonamientos filosóficos. Algo fundamental, porque este estado de ánimo y estas pasiones son la que finalmente mueven a la acción.
De esta forma todo poder político ha ejercido el mecenazgo sobre los artistas con los que compartía una misma visión del mundo. Esto ha sido una constante a lo largo de la Historia, y fruto de este mecenazgo son las Pirámides de Egipto, el Coliseo de Roma o la Catedral de Notre Dame.
Así, con cada nueva visión del mundo se establecía una fecunda simbiosis entre Política y Arte en la que ambas se retroalimentaban: el Arte difundía una visión política del mundo y la Política financiaba el Arte. Puede que la idea no sea muy romántica, pero lo cierto es que esto ha permitido la creación de la mayor parte del patrimonio artístico de la humanidad.
En épocas recientes podemos reconocer fácilmente dentro de esta simbiosis político-cultural ejemplos como el realismo soviético o el arte alemán del Tercer Reich.
Pero ¿qué ocurre con las democracias occidentales? Porque se nos dice que el arte contemporáneo es libre y fruto exclusivamente de la capacidad de innovación y creación de nuestros artistas, dado que el poder político en los regímenes democráticos no parecen intervenir de forma decisiva en el mundo del arte. Esto posibilita a cualquier intelectual de medio pelo, defensor del arte contemporáneo, a situarse en un plano de superioridad moral que le permite descartar y descalificar de un plumazo toda creación artística ligada a un movimiento político, máxime si dicho movimiento le cae gordo al aventajado intelectual.
Afortunadamente, como el Humanismo no parece contar con la repudia jacobina y militante de nuestros pseudo intelectuales, el arte del Renacimiento parece a salvo su intolerancia, al menos de momento, porque el día menos pensado lo descalificarán en bloque por estar íntimamente ligado a una corriente de pensamiento, como han hecho con el arte alemán.
Pero ¿y si la supuesta independencia y creatividad de la que es fruto el arte contemporáneo solo fuera una mentira? ¿Y si el arte contemporáneo hubiera sido impulsado artificialmente con fines políticos? ¿En ese caso, dónde quedaría su supuesta superioridad moral?
Presta atención porque hoy me gustaría contarte una historia muy interesante: se trata de cómo la CIA ha intervenido de forma decisiva en la difusión del arte contemporáneo. Como hemos visto, la relación entre poder político y arte es una constante a lo largo de la historia, lo realmente novedoso es el intento de disimularlo, lo que convierte a nuestros artistas en los más cínicos de la historia (al saberlo y ocultarlo) o en los tontos más útiles que ha habido al servicio del poder (al colaborar sin saberlo y encima creerse rebeldes y revolucionarios).
Todo comienza en el periodo inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial, cuando un opaco telón de acero dividió Europa y empezó a resultar evidente que un nuevo conflicto estaba en marcha. Y es en ese contexto cuando la élite política de Washington apostó por la creación de un centro de inteligencia exterior: la CIA.
Entre sus funciones estaba la de combatir la propaganda comunista, que encontró un campo abonado entre los intelectuales europeos, entre otras razones porque la mayor parte de los intelectuales anticomunistas habían sido ejecutados, encarcelados o condenados al ostracismo (de algunos de ellos ya hemos hablado en este blog).
La situación era alarmante ¿Qué ocurriría si los comunistas ganaban las elecciones en Italia o Francia? De la misma forma que se creó la Alianza Atlántica para evitar una invasión militar y el Plan Marshall para acabar con la penuria económica, la CIA recibió el encargo de luchar contra la propaganda comunista y combatir desde el mundo de la cultura en favor de las democracias occidentales.
Posiblemente el mejor libro escrito acerca de este tema, desconocido para muchos e incómodo para unos cuantos, es "Who Paid the Piper: the CIA and the Cultural Cold War" escrito por la historiadora británica Frances Stonor Saunders. En español la obra se tituló "La Cía y la guerra fría cultural".
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La intrusión de la CIA en el campo de las fundaciones fue arrolladora gracias a su dotación económica, y muy posiblemente lo siga siendo.
"Una investigación del Congreso de EE.UU. en 1976, reveló que cerca de un 50% de las 700 subvenciones otorgadas en el campo de las actividades internacionales por las principales fundaciones fue financiado por la CIA" (Saunders, 134-135).
"La CIA considera las fundaciones como la fundación Ford la mejor y más plausible forma de cobertura para financiar" (Saunders, p. 135).
"La colaboración de fundaciones respetables y prestigiosas, según un antiguo agente de la CIA, permitió que la Agencia financiara una variedad aparentemente ilimitada de programas de acción clandestina que afectan a grupos juveniles, sindicatos, universidades, editoriales y otras instituciones privadas". (Saunders, p. 135).
El libro de Saunders desvela un conjunto de datos que nos permiten conocer mejor lo que fue la vida cultural europea entre 1947 y 1999. Los buques insignia de esta gran operación cultural fueron las fundaciones Farfield, Kaplan, Carnegie, Rockefeller y Ford, tapaderas culturales más notorias de la CIA, así como el mismísimo Museo de Arte Moderno (MOMA), al cual Nelson Rockefeller, cofundador de dicho museo, bautizó como “de la pintura de la libre empresa”. A través del MOMA Rockefeller manejó la imposición del expresionismo abstracto.
La organización eje de esta campaña encubierta, fue el Congreso por la Libertad de la Cultura, montado por el agente de la CIA Michael Josselson, entre 1950 y 1976. En su momento culminante el Congreso tuvo oficinas en 35 países, contó con docenas de empleados, publicó artículos en más de veinte revistas de prestigio, organizó exposiciones de arte, contaba con su propio servicio de noticias y de artículos de opinión, organizó conferencias del más alto nivel y recompensó a los músicos y otros artistas con premios y actuaciones públicas.
El expresionismo abstracto se convirtió en un arma muy eficaz en el arsenal de esta ambiciosa OTAN artística, que emprendió la promoción internacional de esta corriente pictórica que ofrecía la doble ventaja de ser, según sus defensores, auténticamente estadounidense y oponerse frontalmente al realismo socialista de manufactura estalinista y al arte alemán del periodo anterior a la guerra.
Los Estados Unidos, y en particular la ciudad de Nueva York, se estaban convirtiendo en el centro político y económico de Occidente, sólo le faltaba conseguir el liderazgo cultural y una expresión artística que compartiera su visión del mundo adecuada a su nuevo estatus de primera potencia mundial, algo que por otro lado y como empecé diciendo en este artículo, ha sido común en todos los tiempos a todas las formas de poder.
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Ciudad de México.- Con la finalidad de dar a conocer sus argumentos sobre el por qué el arte contemporáneo es un "falso arte", la crítica de arte Avelina Lésper ofreció la conferencia:
"El Arte Contemporáneo- El dogma incuestionable" en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en donde fue ovacionada por los estudiantes.
"La carencia de rigor (en las obras) ha permitido que el vacío de creación, la ocurrencia, la falta de inteligencia sean los valores de este falso arte, y que cualquier cosa se muestre en los museos", afirmó Lésper.
Explicó que los Los objetos y valores estéticos que se presentan como arte, son aceptados, en completa sumisión a los principios que una autoridad que impone.
Lo que ocasiona que cada día se formen sociedades menos inteligentes y llevándolos a la barbarie. También abordó el tema del Ready Made, sobre el que expresó que mediante esta corriente "artística", se ha regresado a lo más elemental e irracional del pensamiento humano, al pensamiento mágico, negando la realidad. El arte queda reducido a una creencia fantasiosa y su presencia en un significado. "Necesitamos arte y no creencias".
Asimismo, destacó la figura del "genio", artista con obras insustituibles, personajes que en la actualidad ya no existen. "Hoy con la sobrepoblación de artistas, estos no son prescindibles y la obra se sustituye por otra, porque carece de singularidad".
Detalló que la sustitución de artistas se da por la poca calidad de sus trabajos, "todo lo que el artista realice esta predestinado a ser arte, excremento, filias, odios, objetos personales, imitaciones, ignorancia, enfermedades, fotos personales, mensajes de internet, juguetes, etc.
Actualmente hacer arte es un ejercicio ególatra, los performances, los videos, instalaciones están hechos con tal obviedad que abruma la simpleza creadora, y son piezas que en su inmensa mayoría apelan al menor esfuerzo, y que su accesibilidad creativa nos dice que es una realidad, que cualquiera puede hacerlo".
En ese sentido, afirmó que no darle el status al artista que lo merece, ocasiona un alejamiento del arte a las personas, lo demerita, lo banaliza.
"Cada ves que alguien sin méritos y sin trabajo real excepcional expone, el arte va decreciendo en su presencia y concepción. Entre más artistas hay, las obras son peores, la cantidad no está aportando calidad".
"El artista ready made toca todas las áreas, y todas con poca profesionalidad, si hace video, no alcanza los estándares que piden en el cine o en la publicidad; si hace obras electrónicas o las manda a hacer, no logra lo que un técnico medio; si se involucra con sonidos, no llega ni a la experiencia de un Dj. Se asume ya que sí la obra es de arte contemporáneo, no tiene por que alcanzar el mínimo rango de calidad en su realización. Los artistas hacen cosas extraordinarias y demuestran en cada trabajo su condición de creadores, ni Demian Hirst, ni Gabriel Orozco ni Teresa Margolles, ni la inmensa lista de gente que crece son artistas, y esto no lo digo yo, lo dicen sus obras", aseveró.
Como consejo a los estudiantes, les indicó que dejen que su obra hable por ellos, no un curador, no un sistema, no un dogma, "su obra dirá si son o no artistas, y si hacen este falso arte, se los repito no son artistas".
Lésper aseguró que hoy día, el arte dejó de ser incluyente, por lo que se ha vuelto en contra de sus propios principios dogmáticos y en caso de que al espectador no le guste, lo acusa de "ignorante, de estúpido y le dice con gran arrogancia, si no te gusta es que no entiendes".
"El espectador, para evitar ser llamado ignorante, no puede ni por asomo decir lo que piensa, para este arte todo público que no es sumiso a sus obras es imbécil, ignorante y nunca está a la altura de lo expuesto ni de sus artistas, así el espectador presencia obras que no demuestran inteligencia", denunció.
Finalmente, señaló que el arte contemporáneo es endogámico, elitista; como vocación segregacionista, realizado para su estructura burocrática, para complacer a las instituciones y a sus patrocinadores. "Su obsesión pedagógica, su necesidad de explicar cada obra, cada exposición, su sobre producción de textos es la implícita acotación del criterio, la negación a la experiencia estética libre, define, nombra, sobreintelectualiza la obra para sobrevalorarla y para impedir que la percepción sea ejercida con naturalidad".
La creación es libre, pero la contemplación no lo es. "Estamos ante a dictadura del más mediocre".
http://www.vanguardia.com.mx/noticia-1362825.html?se=nota&id=1362825
Granés no puede evitar que su ensayo sea la constatación
de un enorme desperdicio
de un enorme desperdicio
¿Qué quedó de tanta alharaca y desvarío?
En cuanto a obras concretas, casi nada
En cuanto a obras concretas, casi nada
El arte pop dio carta de ciudadanía “a lo camp, a lo mediático y a lo anodino, para que entraran en la institución del arte”.
...... Granés propone como ejemplo destacable la imagen de una fotografía de la campaña Marlboro que Richard Prince tomó a finales de los años 70, misma que alcanzó en subasta la suma de 1.2 millones de dólares.
Prince, el
creadorde lo que llamó retrofotografías, arguyó que así como Duchamp se apropió de un urinal hecho por otros, él lo hizo de una foto comercial.
Como sabemos, a eso se le llama
apropiación, y forma cadena, pero el simulacro del simulacro ha estado vigente desde hace más de medio siglo, sólo que no creo que Prince sea comparable, ni lejanamente, a Cindy Schearman, pues como sucede en todo, hay niveles de ingenio y de trabajo en las apropiaciones, que en cierto sentido son tan viejas como la historia del arte.
Teresa del Conde
El mérito mayor de su estudio no es cuantitativo sino de cualidad. Pese a su riquísima información, no es erudito ni académico y no está estorbado de notas pretenciosas. Su sólida argumentación se alivia con un estilo claro y vivaces biografías y anécdotas sobre los personajes centrales y las comparsas que, pintando, esculpiendo, escribiendo, componiendo, o, simplemente imprecando, se propusieron hacer tabla rasa del pasado, abolir la tradición, y fundar desde cero un nuevo mundo radicalmente distinto de aquél que encontraron al nacer. Eran muy distintos entre sí pero todos decían odiar a la burguesía, a la academia, a la política y a los usos reinantes.
Todos hablaban de revolución aunque la palabra tuviera significados distintos según las bocas que la pronunciaran. Querían liberar el amor, cambiar la vida, dar derecho de ciudad a los deseos, traer la justicia a la tierra, eternizar la niñez, el goce y los sueños, y eran tan puros que creían que los instrumentos adecuados para conseguirlo eran la poesía, los pinceles, el teatro, la diatriba, el panfleto y la farsa.
Había entre ellos verdaderos pensadores, poetas y artistas de gran valía, como un André Breton o un George Grosz, y abundaban los agitadores y bufones, pero todos, hasta los más insignificantes entre ellos, dejaron alguna huella en un proceso en el que, como muestra admirablemente el libro de Carlos Granés, la literatura, las artes y la cultura en general fueron cambiando de naturaleza, reemplazando el fondo por las puras formas, y trivializándose cada vez más, en tanto que, en el curso de los años, pese a sus insolencias y audacias, el establecimiento iba domesticando a unos y a otros y reabsorbiendo toda esa agitación contestataria hasta corromper literalmente -mediante la opulencia y la fama- a los antiguos anarquistas y revolucionarios.
Algunos se suicidaron, otros desaparecieron sin pena ni gloria, pero los más astutos se hicieron ricos y célebres, y alguno de ellos terminó invitado a tomar el té a la Casa Blanca o ennoblecido por la Reina Isabel.
Andy Warhol recibió un balazo en el estómago por el delito de ser hombre (según explicó su victimaria, Valerie Solanas), pero, en vez de 15 minutos, su gloria duró decenios y todavía no se extingue.
Pese a lo amenas y pintorescas que suelen ser las páginas de El puño invisible cuando relatan las matonerías de Marinetti, las extravagancias de Tzara, las audacias de Duchamp, el cerebralismo de John Cage y sus conciertos silenciosos, las locuras de Isidore Isou, el frenético exhibicionismo de un Allen Ginsberg, o el salto del taller de pintura al terrorismo de algunos vanguardistas italianos, alemanes y norteamericanos, el libro de Granés es profundamente trágico. Porque, con todo el respeto y la simpatía con que él investiga y se esfuerza por mostrar lo mejor que hay en aquellas vanguardias, no puede evitar que su ensayo sea la constatación de un enorme desperdicio, de un absoluto fracaso. Un verdadero parto de los montes del que sólo salieron ratoncillos.
¿Qué quedó de tanta alharaca y desvarío? En cuanto a obras concretas, casi nada. Lo menos perecedero que en pintura, poesía, música e ideas se produjo en Occidente en esos años no formó parte o, si lo hizo, se apartó pronto de la "vanguardia" y tomó otro rumbo: el de Mahler, Joyce, Kafka, Picasso o Proust. Aquélla acabó por convertirse en un ruidoso simulacro que, a menudo, galeristas, publicistas y especuladores del establecimiento trastocaron en pingüe negocio. O, todavía peor, en una payasada ridícula. Una vez más quedó claro que el arte y la literatura progresan con realizaciones concretas -obras maestras- más que con manifiestos y bravatas, y que la disciplina, el trabajo, la reelaboración inteligente de la tradición, son más fértiles que el fuego de artificio o el espectáculo-provocación.
Una de las últimas escenas que describe El puño invisible es una exposición muy peculiar de Yves Klein, quien, por ese entonces, propugnaba la teoría de la "desmaterialización del objeto". Fiel a su tesis, el artista presentaba una galería vacía, sin cuadros ni muebles. El visitante recibía al ingresar un cóctel azul "que lo mantenía orinando del mismo color durante varios días".
¿Y la obra exhibida? "No existía: o sí, la llevaba el visitante en la vejiga", explica Granés.
Por esos mismos días, Piero Manzoni convertía en arte todos los cuerpos humanos que se cruzaban en su camino, con el dispositivo mágico de estamparles su firma en el brazo. Otros, comían excrementos, adornaban calaveras con brillantes, o, como el celebrado Michael Creed, ganador del Turner Prize, prendían y apagaban la luz de una sala, proeza que la Tate Britain celebró explicando que, a través de este paso de la oscuridad a la claridad, el artista "exponía las reglas y convenciones que suelen pasar desapercibidas". (Y es seguro que se lo creía).
Después de muchas páginas dedicadas a rastrear una de las más perversas derivas de la cultura posmoderna, es decir, la dictadura de la teoría que en nuestro tiempo pasó de justificar a reemplazar a la obra de arte, Carlos Granés afirma, con toda razón:
"No se puede premiar sistemáticamente la estupidez y esperar que esto no traiga consecuencias sociales y culturales".
Esta frase resume de manera prístina la absorbente historia que cuenta su libro:
cómo una voluntad de ruptura y negación que movilizó a tantos espíritus generosos desde los comienzos del siglo XX y que conmovió hasta las raíces las actividades artísticas y literarias del mundo occidental, fue insensiblemente deshaciéndose de todo lo que había en ella de creativo y tornándose puro gesto y embeleco, es decir, un espectáculo que divertía a aquellos que pretendía agredir, arrastrando por lo demás, en esta caída en el infierno de la nadería, a los cánones, patrones y tablas de valores que habían regulado antes la vida cultural. Acabaron con ellos pero nada los reemplazó y desde entonces vivimos, en este orden de cosas, en la más absoluta confusión.
Por eso, sólo al terminar este magnífico libro descubren los lectores la razón de ser de su bello título: aunque en cien años de vanguardia no construyera muchas cosas inmarcesibles en el dominio del espíritu, el poder destructivo de ese "puño invisible" sí fue cataclísmico. Ahí están, como prueba, los escombros que nos rodean. © Derechos mundiales de prensa en todas las lenguas reservados a Ediciones EL PAÍS, SL, 2011. © Mario Vargas Llosa,
LA CONSPIRACION DE LA MINIFALDA
Con motivo del 50 aniversario de este judaico-fabiano invento, me veo en la obligación de investigar esta prenda que marcó un hito entre las más pelandruscas.
La minifalda, como muchos sabreís fue inventada por la diseñadora británica Mary Quant. Unos cuantos datos sobre esta tipeja y su “invento” que nos harán comprender qué se escondía detras de esta moda.
1)Mary Quant estudió en la Escuela de Arte Goldsmith de Londres. Este instrumento del imperialismo judeoanglosajón tuvo dos directores(los únicos que me salen en la wikipedia) cuya biografía nos puede ayudar a entender en que tipos de ambientes se movía Mary:
Richard Hoggart: sirvió con la artillería real durante la Segunda Guerra Mundial y fue desmovilizado como Capitán Mayor. Hoggart fue testigo experto en el juicio del caso Lady Chatterley en 1960. Fundó la institución Centro de Estudios Culturales Contemporáneos en 1964 y fue su director hasta 1969. Este centro era un propagador de la diarrea mental de la judaica Escuela de Frankfurt, feminazismo, jetas fabianos del LSE y Skull & Bones de Yale.
Hoggart fue Subdirector General de la UNESCO (1971-1975) y, finalmente, Guardián de la Universidad Goldsmiths de Londres (1976-1984). Hoggart fue miembro de numerosos organismos públicos y comités, incluyendo el Comité de Albermarle de Servicios para la Juventud (1958-1960), el Comité de Pilkington de Radiodifusión (1960-1962), el Consejo de las Artes de Gran Bretaña (1976-1981, Primer Presidente del Consejo fue John Maynard Keynes.
Bajo el Harold Wilson Gobierno de 1964-70 el Consejo de las Artes disfrutó de una Edad de Oro gracias a la estrecha relación entre el Presidente Arnold Goodman- miembro de la Sociedad Eugenésica, robó 10 millones de libras para donarlos al Partido Laborista, siniestro “poder detrás del trono” que ejerce enorme influencia en la clase dirigente británica Goodman amenazó a los periodistas que investigaron al político conservador pedófilo y barón Robert Boothby, amigo(y amante de uno de ellos) de los judaicos gemelos gángsteres Kray, a su vez amigos de Frank Sinatra- y la ministra de artes y baronesa Asheridge Jennie Lee quien hizo campaña para que fuera rector el agente británico Bertrand Russell) y de la Nación Publishing Company Ltd (1977-1981). Asimismo, fue presidente del Consejo Asesor de Adultos y Educación Continua (1977-1983), y la Unidad de Investigación de Radiodifusión (1981-1991), así como gobernador de la Royal Shakespeare Theatre (1962-1988).
Ben Pimlott: investigador de la London School of Economics(escribió Ensayos fabianos en el pensamiento socialista), político laborista y Presidente de la Sociedad Fabiana en 1993/1994. Estuvo casado con Jean Seaton, historiadora oficial de la BBC y Presidente de los jueces del Premio Orwell en 2007.
2) Comenzó su carrera a mediados de la década de 1950 en esa ciudad, donde conoció a Alexander Plunket Green.
El abuelo de Alexandre es el Barón Sir Charles Hubert Hastings Parry, compositor mejor conocido por la coral canción ” Jerusalén “(extrañísima canción mesiánica, casi el himno británico, con referencias satánicas utilizada como lema de la campaña por el Partido Laborista en el elección general 1945), profesor de música de la elitista Oxford y casado con hija del político Sidney Herbert, amigo del judío primer ministro Benjamin Disraeli.
El padre y abuelo de Charles fueron directores de la British East India Company y el padre, Thomas, también fue un destacado miembro de la Sociedad eclesiológica(dedicada a la construcción de iglesias como los masones).
Tios de Alexandre son Michael Gambier-Parry (capitán de la Primera Guerra Mundial galardonado con la Cruz Militar en la Segunda Guerra Mundial fue ayudante de campo del rey, entonces Jefe de la Misión Militar Británica de Atenas en 1940) y el brigadier Richard Gambier-Parry (1894-1965) que sirvió en los Reales Fusileros Galeses en la Primera Guerra Mundial y fue reclutado por el almirante anti-bolchevique y pro-nazi Hugh Sinclair-credor de la organización Z- para formar la Sección VIII, la sección de comunicaciones del Servicio Secreto de Inteligencia. Después de la Segunda Guerra Mundial, fue Director de Comunicaciones del Ministerio de Relaciones Exteriores y el SIS.
3) Mary Quant promovió un arquetipo de mujer-niña anoréxica, encargado a la perfección por la modelo Twiggy: la primera supermodelo, actriz y cantante, nombrada como “el rostro de 1966″ por el periódico inglés Daily Express(fundado por Sir Cyril Arthur Pearson, por medio de la publicación de los textos del asesino de niños Robert Baden-Powell, Pearson colaboró grandemente a la fundación del Escultismo).
Una conocida insistía en que debía probar suerte como modelo, pero ella pensaba que no lograría nada, por lo que respondía riendo; ya que era demasiado delgada y pequeña como para cumplir con el canon de la época.
Finalmente, acudió donde una Señora, en una revista, a la que la había recomendado un amigo de un amigo y ésta, amablemente le dijo “Creo que eres muy pequeña, pero tienes facciones muy interesantes, podrías hacer fotografías de belleza, pero tu cabello está mal…”,1 por lo que la enviaron donde Leonard, un estilista ,para que le tiñeran y cortaran el pelo.
Leonard llamó a Barry Lategan, un fotógrafo conocido y le dijo ” Tengo aquí a una chica con un look muy interesante, pero nunca se ha tomado una foto. Quiero hacer mi nuevo corte de cabello en ella. Si la envío ¿podrías ponerla frente a la cámara y decirme si es fotogénica?”.
(Su Alteza Real la Princesa Ana, Paul y Linda McCartney, Iman, la feminazi concursante de Gran Hermano Germaine Greer, el judío Calvin Klein, Sol Campbell, John Major, Margaret Thatcher y Salman Rushdie son sólo algunas de las caras famosas que han aparecido frente a su lente.
Su carrera como fotógrafo de moda también se ha visto mucho de su trabajo hacen a las páginas y portadas de las ediciones internacionales de Vogue, el calendario Pirelli y Harpers Bazaar). Para cuando llegó donde Lategan, Twiggy fue presentada con su nombre real (Leslie) y, en medio de la sesión, debido a algo que hizo, su novio dijo “¡Oh, Twiggy!” apodo dado por el hermano de éste debido a sus delgadas piernas. A Lategan le pareció un apodo perfecto para una modelo y le dijo ” si llegas a modelar, deberías usarlo”.
Su singular look aún hoy sigue inspirando a los grandes creadores de moda. Llevar el pelo rubio platino, muy corto y engominado, con raya a un lado(a lo chico, a la élite malthusiana le encanta la ambigüedad sexual), fue una de sus características más rompedoras, una imagen que consiguió gracias a los consejos del estilista judío Vidal Sassoon. Aparte de estos detalles, su físico delgado y de eterna adolescente(poco apto para un buen desarrollo del embarazo) supuso una revolución, ya que hasta entonces los cánones de belleza tenían como modelo a mujeres de cuerpos curvilíneos, como el de la mítica Marilyn Monroe.
Además, y sin dejar de sorprender, ha dejado claro que es una mujer polifacética, ya que también ha grabado varios discos (When I Think of You, Over and Over, Twiggy y Please Get My Name Right) y hay varios libros sobre su persona, entre los que destaca “Twiggy: How I Probably Just Came Along on a White Rabbit at the Right Time and Met the Smile on the Face of the Tiger” (En español: Cómo probablemente me topé con un conejo blanco en el momento adecuado y vi la sonrisa en la cara del tigre, una alusión al libro del pedófilo Carrol y su simbología MKULTRA), el cual fue vendido con Twiggy como autora, cuando en verdad fue escrito por un periodista estadounidense.
Twiggy se casó con el actor inglés Leigh Lawson, con quien vive en Inglaterra. Leigh trabajó con directores de cine como el judío violaniñas Roman Polanski y Franco Zeffirelli( homosexual- el director Bruce Robinson afirma haber sido acosado sexualmente por él- católico, Comandante Caballero de la Orden del Imperio Británico y ex senador (1994-2001) para el partido italiano de centro-derecha Forza Italia.
Descubierto por el efebófilo Luchino Visconti, también trabajó con directores como Vittorio De Sica y Roberto Rossellini).
En 1999 co-escribió y dirigió el musical Si el amor fuera todo, que habla de la amistad entre Gertrude Lawrence y Noël Coward( recuerden a este pedófilo agente de la inteligencia británica que ya nos salió en el post “SE REABRE EL CASO NATALIE WOOD”). Lawson ha jugado un papel activo en la vida de sus hijos, incluyendo a su sobrino, el DJ Saúl Dismont(sobrino de actor Sir John Mills quien fue nombrado Leyenda de Disney por The Walt Disney Company y primo del músico Hare Krisna Crispian Mills, miembro de The Jeevas y ex Kula Shaker), que es el hijo de la hermana de Lawson y político laborista de las Bermudas Russell Dismont(fabiano de la London School of Economics).
Amigos de la familia son Richard Attenborough(otro pervertido que salió en el post “SE REABRE EL CASO NATALIE WOOD“) y actor bisexual Sir Laurence Olivier, sobrino del fabiano laborista y gobernador de Jamaica Sydney Olivier, 1r barón Olivier.
En 1998 sorprendió a todos cuando participó en un dueto con Twiggy Ramirez(Su madre Dana fue bailarina para bandas como The Ramones, actor de fondo en la película Lost Highway del judío David Lynch), bajista de Marilyn Manson(Apareció en Jawbreaker, Lost Highway de David Lynch, amigo del judío pervertido charlatán Alejandro Jodorowsky) realizando un cover de la canción de Dusty Springfield(símbolo para la cultura lesbiana, la Reina Isabel II de Inglaterra le concedió la Orden del Imperio Británico en 1999) “I only want to be with you”. De hecho, Ramirez utiliza este sobrenombre en honor a ella.
3) Popularizaron la prenda aparte de Twiggy:
Brigitte Bardot: mito erótico de los 50 y 60 convertida en una ultraderechista islamófoba. Grabó un disco con el depravado sionista Serge Gainsbourg.
Françoise Hardy: Cuando en su adolescencia le regalaron su primera guitarra todo cambió para Françoise. Expresaría su estado emocional mediante la música, pero para ello tendría que recibir una instrucción previa en canto. Nada mejor que acudir al Petit Conservatoire de la judía Mireille Hartuch (colaboró con el letrista y galardonado con el Orden de Francisco , una marca de la estima del régimen de Vichy, Jean Nohain, apadrinado por el inventor de la chorrada burguesa de la patafísica.
En 1931, apareció en una película con Douglas Fairbanks Jr- ahijado de Mary Pickford, buen amigo de Sir Laurence Olivier y casado con la actriz Joan Crawfor, fueron en luna de miel a Inglaterra, donde él fue recibido por Noel Coward y el Príncipe Jorge, duque de Kent.
Se mostró interesado en la alta sociedad y en la política, pero para entonces Crawford estaba más interesada en su carrera y en su nuevo affaire con el psicópata Clark Gable. En 1940 el Presidente de los Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt le nombró enviado especial a la Special Mission en América del Sur-. Su carrera como escritora de canciones despegó cuando sus canciones fueron grabadas por grandes cantantes franceses de la época, como Maurice Chevalier, prisionero de guerra liberado gracias a la intervención del rey Alfonso XIII de España y actor en La viuda alegre (The Merry Widow), del judío antisovietico-Ninotchka (1940)-Ernst Lubitsch. Amiga de Jean Cocteau, Colette, Albert Camus y André Malraux y esposa de filósofo judío Emmanuel Berl, amigo del surrealista homosexual Louis Aragon y del colaboracionista Pierre Drieu La Rochelle). Cantante conocida, el director cinematográfico judío Claude Lelouch realizó un scopitone (videoclip).
La Metro Goldwyn Mayer la invita el 21 de diciembre de 1966 a ir a la primera proyección de la película Château en Suède en Nueva York con Yves Montand, protagonista francés del film.
En ese momento la judaica Warner, de acuerdo con Vogue, difunde sus discos en el mercado americano. En 1967 rompe con Jean-Marie Périer y canta “Ma jeunesse fout le camp”, una canción de Guy Bontempelli, otro de sus grandes éxitos, como los años siguientes “Des ronds dans l’eau” et “Comment te dire adieu” (esta última con letra del judío pervertido Serge Gainsbourg). En 1981 se casó con Jacques Dutronc(“Les play-boys”, fue número 1 y el tercero, “Les cactus”, hizo que hasta el primer ministro de la época, Georges Pompidou-secretario del judío Rothschild- lo usara en un discurso en la Asamblea Nacional. Todos sus textos en los años sesenta son del judío Jacques Lanzmann, escritor, periodista, hermano de Claude Lanzmann (ex secretario del judío peñazo Jean-Paul Sartre).
En 1972, empieza su colaboración con el judío Serge Gainsbourg. En 1973, Dutronc inició una también importante carrera cinematográfica con “Antoine et Sébastien” de Jean-Marie Périer, el ex novio de la esposa de Jacques, Françoise Hardy. Su primer éxito como actor fue en “Lo importante es amar” (L’important c’est d’aimer), de Zulawski, 1975, con Romy Schneider. En 1991, consiguió un César como protagonista de la película Van Gogh de Maurice Pialat. Su filmografía incluye películas como “Le bon et les méchants”, de Claude Lelouch, “Violette et François” de Jacques Rouffio, Mado de Claude Sautet, ‘Sauve qui peut la vie’ de Jean-Luc Godard, “Tricheurs”, de Barbet Schroeder, “Toutes peines confondues”, de Michel Deville, “Place Vendôme”, de Nicole Garcia, “Merci pour le chocolat”, de Claude Chabrol, “C’est la vie”, de J.P. Amaris o “Le deuxième souffle”, de Alain Corneau. En total, aparece en casi 40 películas del pervertido cine francés).
Nancy Sinatra: hija del mafioso Frank Sinatra(sí, el amiguito de los mafiosos psicópatas judíos Kray, todo cuadra). Puso su voz a la banda sonora de la quinta película de James Bond Sólo se vive dos veces con la canción You Only Live Twice. En 2004 lanzó su último disco hasta el momento: To Nancy with Love, con colaboraciones como Bono. El 11 de mayo de 2006 recibió una estrella en el Paseo de la fama en Hollywood. Aparecio en The Wild Angels, del judío Roger Corman.
These Boots are Made for Walkin’
Esta canción, que también ha sido versionada por Amanda Lear, María Castedo y Jessica Simpson, entre otras cantantes, fue compuesta por Lee Hazlewood para él mismo. Aunque la canción se convirtió en todo un símbolo de la emancipación de la mujer en la década de los 60, hubiera sido toda una canción machista si hubiera sido cantada por Hazlewood. Y es que dice algo así cómo “si tú me has dejado, yo te aplastaré con mis botas”. Pero Nancy, con un físico de maniquí y con una picardía única, consiguió de ella un himno feminista que el judío Stanley Kubrick utilizó cómo banda sonora para La chaqueta metálica.
Pattie Boyd: ex modelo de Mary Quant, chochete de George Harrison(de los satánicos caballeros del imperio británico Beatles, grupo llevado por el judío Brian Epstein) y Eric Clapton(Otra estrellota drogadicta. Racista, en agosto del 76 Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra.
Visiblemente intoxicado, dio su apoyo a un candidato político de la época llamado Enoch Powell(Partido unionista de Ulster ) y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra.
Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios. Colaborador (al igual que el boss) de la farsa imperialista Amnistía Internacional.
En 2002, Eric tocó en Party at the Palace, concierto con el que se celebraron los 50 años de reinado de la Reina Isabel II. También hizo una aparición en un concierto del judaico cansino Bob Dylan en Columbus.)
Jean Shrimpton: protagonizó junto a Paul Jones la extraña película de 1967 “Privilegios”(La historia está ambientada en el futuro cercano después de la década de 1970 y se refiere a una cantante de pop desilusionados, interpretado por Jones, quien es manipulado por la Iglesia y el Estado que tratan de convertirlo en un mesiánico líder) producida por John Heyman( Durante la Segunda Guerra Mundial, su padre trabajó para el Ministerio de Información, y después de la guerra se convirtió en el corresponsal financiero de la revista The Economist, The Financial Times y Neue Zürcher Zeitung.
La madre de John, sufragista y a la vez profesora de estudios rusos, estudiandió permanente, recogiendo a su séptimo grado (en Economía) de la fabiana London School of Economics, a la edad de 70 años) y con guión de Norman Bogner(estudió en la rockefelleriana New School for Social Research, dio a conocer al payaso de Fernando Arrabal).
Shrimpton, estuvo comprometido con el fotógrafo Comendador de la Orden del Imperio Británico David Bailey(autor de la foto más famosa de los judaicos gemelos Kray, abajo).
Su hermana más joven Chrissie también fue actriz, vinculada a al satánico Mick Jagger.
4)Es una de las pocas diseñadoras británicas que fue condecorada por la reina Isabel II de Inglaterra. En 1966 recibió la Orden del Imperio Británico (un grado superior del que la soberana entregó a los Beatles), y la recibió, por supuesto en minifalda. Con sus 70 años, vive en las afueras de Londres y trabaja como consultora de la empresa que lleva su nombre. Mantiene el peinado del estilista judío Vidal Sassoon que fue su marca registrada. Su gran frustración, ha dicho, es no haber visto a la ex primera ministra Margaret Thatcher luciendo una de sus creaciones.
Conclusión: el invento no es más que un instrumento de la ingenieria social de la élite judeo-fabiana que utiliza la hipersexualización para dominar a la borregada.
” Edward Bernays(fundador de la primera compañia de RR.PP.) afirmó que «el ciudadano medio es el censor más eficaz del mundo. Su propia mente es la mayor barrera que lo separa de los hechos. Sus propios “compartimentos estancos lógicos” y su propio absolutismo son los obstáculos que le impiden ver en términos de experiencia y pensamiento en lugar de en términos de reacción grupal… Para el animal gregario, la soledad física es un miedo real y esa asociación con el rebaño le provoca una sensación de seguridad.
En el hombre, este miedo a la soledad crea un deseo de identificación con el rebaño en cuestiones de opinión». La MTV ha utilizado este «deseo de identificación» para lavar el cerebro a un gran número de personas.”
Las mujeres se tomaron como una liberación el ser un objeto sexual e ir congelándose el potorro en invierno y los tios nunca dijimos nada porque somos unos sálidos y la élite lo sabe mejor que nosotros.
El objetivo es dominar completamente una sociedad mediante la degradación moral de las personas que la componen.
Desde 1968 no se podía hablar de moral. Nos impusieron el relativismo.
La idea de que todo es igual. Lo verdadero y lo falso. Lo bello y lo feo. Que el alumno vale tanto como elmaestro. Que no hay que poner notas para no traumatizar a los malos estudiantes. Nos hicieron creer que la víctima cuenta menos que el delincuente. Que la autoridad estaba muerta,que las buenas maneras habían terminado, que no había nada sagrado,nada admirable.
El slogan era: VIVIR SIN OBLIGACIONES Y GOZAR SIN TRABAS.
Quisieron terminar con laescuela de excelencia y del civismo.
Asesinaron los escrúpulos y la ética. Una izquierda hipócrita que permitía indemnizaciones millonarias a los grandes directivos y el triunfo deldepredador sobre el emprendedor.
Esa izquierda está en la política, en los medios decomunicación, en la economía. Le ha tomado el gusto al poder. La crisis de la cultura deltrabajo es una crisis moral. Hay que rehabilitar la cultura del trabajo. Dejaron sin poder a lasfuerzas del orden y crearon una frase: Se ha abierto una fosa entre la policía y la juventud: Losvándalos son buenos y la policía es mala. Como si la sociedad fuera siempre culpable y eldelincuente inocente. Defienden los servicios públicos pero jamás usan transporte colectivo. Aman mucho a la escuela pública pero mandan a sus hijos a colegios privados. Adoran laperiferia pero jamás viven en ella. Firman peticiones cuando se expulsa a algún ocupa, pero noaceptan que se instalen en su casa. Son esos que han renunciado al mérito y al esfuerzo y queatizan el odio a la familia, a la sociedad y a la república. Hoy debemos volver a los antiguosvalores del respeto, de la educación, de la cultura y de las obligaciones antes que los derechos.Estos se ganan haciendo valer y respetar los anteriores
Sí sí, todo esto está muy bien, pero ya te has leído a Dussel?
JAJA
JAJA
La CIA y la decadencia del Arte
En toda época y en todo lugar los grandes movimientos políticos han entendido que sin una dimensión artístico-cultural, añadida a su pensamiento filosófico-político y a sus directrices económicas, sus posibilidades de triunfo se reducían de forma dramática.
Porque sin duda nada como el Arte para lanzar mensajes subliminales que van dirigidos al ánimo y a las pasiones del observador, modelando su actitud frente al mundo con una eficacia que está fuera del alcance de las teorías económicas y de los razonamientos filosóficos. Algo fundamental, porque este estado de ánimo y estas pasiones son la que finalmente mueven a la acción.
De esta forma todo poder político ha ejercido el mecenazgo sobre los artistas con los que compartía una misma visión del mundo. Esto ha sido una constante a lo largo de la Historia, y fruto de este mecenazgo son las Pirámides de Egipto, el Coliseo de Roma o la Catedral de Notre Dame.
Así, con cada nueva visión del mundo se establecía una fecunda simbiosis entre Política y Arte en la que ambas se retroalimentaban: el Arte difundía una visión política del mundo y la Política financiaba el Arte. Puede que la idea no sea muy romántica, pero lo cierto es que esto ha permitido la creación de la mayor parte del patrimonio artístico de la humanidad.
En épocas recientes podemos reconocer fácilmente dentro de esta simbiosis político-cultural ejemplos como el realismo soviético o el arte alemán del Tercer Reich.
Pero ¿qué ocurre con las democracias occidentales? Porque se nos dice que el arte contemporáneo es libre y fruto exclusivamente de la capacidad de innovación y creación de nuestros artistas, dado que el poder político en los regímenes democráticos no parecen intervenir de forma decisiva en el mundo del arte. Esto posibilita a cualquier intelectual de medio pelo, defensor del arte contemporáneo, a situarse en un plano de superioridad moral que le permite descartar y descalificar de un plumazo toda creación artística ligada a un movimiento político, máxime si dicho movimiento le cae gordo al aventajado intelectual.
Afortunadamente, como el Humanismo no parece contar con la repudia jacobina y militante de nuestros pseudo intelectuales, el arte del Renacimiento parece a salvo su intolerancia, al menos de momento, porque el día menos pensado lo descalificarán en bloque por estar íntimamente ligado a una corriente de pensamiento, como han hecho con el arte alemán.
Pero ¿y si la supuesta independencia y creatividad de la que es fruto el arte contemporáneo solo fuera una mentira? ¿Y si el arte contemporáneo hubiera sido impulsado artificialmente con fines políticos? ¿En ese caso, dónde quedaría su supuesta superioridad moral?
Presta atención porque hoy me gustaría contarte una historia muy interesante: se trata de cómo la CIA ha intervenido de forma decisiva en la difusión del arte contemporáneo. Como hemos visto, la relación entre poder político y arte es una constante a lo largo de la historia, lo realmente novedoso es el intento de disimularlo, lo que convierte a nuestros artistas en los más cínicos de la historia (al saberlo y ocultarlo) o en los tontos más útiles que ha habido al servicio del poder (al colaborar sin saberlo y encima creerse rebeldes y revolucionarios).
Todo comienza en el periodo inmediatamente posterior a la finalización de la Segunda Guerra Mundial, cuando un opaco telón de acero dividió Europa y empezó a resultar evidente que un nuevo conflicto estaba en marcha. Y es en ese contexto cuando la élite política de Washington apostó por la creación de un centro de inteligencia exterior: la CIA.
Entre sus funciones estaba la de combatir la propaganda comunista, que encontró un campo abonado entre los intelectuales europeos, entre otras razones porque la mayor parte de los intelectuales anticomunistas habían sido ejecutados, encarcelados o condenados al ostracismo (de algunos de ellos ya hemos hablado en este blog).
La situación era alarmante ¿Qué ocurriría si los comunistas ganaban las elecciones en Italia o Francia? De la misma forma que se creó la Alianza Atlántica para evitar una invasión militar y el Plan Marshall para acabar con la penuria económica, la CIA recibió el encargo de luchar contra la propaganda comunista y combatir desde el mundo de la cultura en favor de las democracias occidentales.
Posiblemente el mejor libro escrito acerca de este tema, desconocido para muchos e incómodo para unos cuantos, es "Who Paid the Piper: the CIA and the Cultural Cold War" escrito por la historiadora británica Frances Stonor Saunders. En español la obra se tituló "La Cía y la guerra fría cultural".
La intrusión de la CIA en el campo de las fundaciones fue arrolladora gracias a su dotación económica, y muy posiblemente lo siga siendo.
"Una investigación del Congreso de EE.UU. en 1976, reveló que cerca de un 50% de las 700 subvenciones otorgadas en el campo de las actividades internacionales por las principales fundaciones fue financiado por la CIA" (Saunders, 134-135).
"La CIA considera las fundaciones como la fundación Ford la mejor y más plausible forma de cobertura para financiar" (Saunders, p. 135).
"La colaboración de fundaciones respetables y prestigiosas, según un antiguo agente de la CIA, permitió que la Agencia financiara una variedad aparentemente ilimitada de programas de acción clandestina que afectan a grupos juveniles, sindicatos, universidades, editoriales y otras instituciones privadas". (Saunders, p. 135).
El libro de Saunders desvela un conjunto de datos que nos permiten conocer mejor lo que fue la vida cultural europea entre 1947 y 1999. Los buques insignia de esta gran operación cultural fueron las fundaciones Farfield, Kaplan, Carnegie, Rockefeller y Ford, tapaderas culturales más notorias de la CIA, así como el mismísimo Museo de Arte Moderno (MOMA), al cual Nelson Rockefeller, cofundador de dicho museo, bautizó como “de la pintura de la libre empresa”. A través del MOMA Rockefeller manejó la imposición del expresionismo abstracto.
La organización eje de esta campaña encubierta, fue el Congreso por la Libertad de la Cultura, montado por el agente de la CIA Michael Josselson, entre 1950 y 1976. En su momento culminante el Congreso tuvo oficinas en 35 países, contó con docenas de empleados, publicó artículos en más de veinte revistas de prestigio, organizó exposiciones de arte, contaba con su propio servicio de noticias y de artículos de opinión, organizó conferencias del más alto nivel y recompensó a los músicos y otros artistas con premios y actuaciones públicas.
El expresionismo abstracto se convirtió en un arma muy eficaz en el arsenal de esta ambiciosa OTAN artística, que emprendió la promoción internacional de esta corriente pictórica que ofrecía la doble ventaja de ser, según sus defensores, auténticamente estadounidense y oponerse frontalmente al realismo socialista de manufactura estalinista y al arte alemán del periodo anterior a la guerra.
Los Estados Unidos, y en particular la ciudad de Nueva York, se estaban convirtiendo en el centro político y económico de Occidente, sólo le faltaba conseguir el liderazgo cultural y una expresión artística que compartiera su visión del mundo adecuada a su nuevo estatus de primera potencia mundial, algo que por otro lado y como empecé diciendo en este artículo, ha sido común en todos los tiempos a todas las formas de poder.
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EL ARTE CONTEMPORANEO ES UNA FARSA
Avelina Lésper
"La carencia de rigor (en las obras) ha permitido que el vacío de creación, la ocurrencia, la falta de inteligencia sean los valores de este falso arte, y que cualquier cosa se muestre en los museos", afirmó Lésper.
"El Arte Contemporáneo- El dogma incuestionable" en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en donde fue ovacionada por los estudiantes.
"La carencia de rigor (en las obras) ha permitido que el vacío de creación, la ocurrencia, la falta de inteligencia sean los valores de este falso arte, y que cualquier cosa se muestre en los museos", afirmó Lésper.
Explicó que los Los objetos y valores estéticos que se presentan como arte, son aceptados, en completa sumisión a los principios que una autoridad que impone.
Lo que ocasiona que cada día se formen sociedades menos inteligentes y llevándolos a la barbarie. También abordó el tema del Ready Made, sobre el que expresó que mediante esta corriente "artística", se ha regresado a lo más elemental e irracional del pensamiento humano, al pensamiento mágico, negando la realidad. El arte queda reducido a una creencia fantasiosa y su presencia en un significado. "Necesitamos arte y no creencias".
Asimismo, destacó la figura del "genio", artista con obras insustituibles, personajes que en la actualidad ya no existen. "Hoy con la sobrepoblación de artistas, estos no son prescindibles y la obra se sustituye por otra, porque carece de singularidad".
Detalló que la sustitución de artistas se da por la poca calidad de sus trabajos, "todo lo que el artista realice esta predestinado a ser arte, excremento, filias, odios, objetos personales, imitaciones, ignorancia, enfermedades, fotos personales, mensajes de internet, juguetes, etc.
Actualmente hacer arte es un ejercicio ególatra, los performances, los videos, instalaciones están hechos con tal obviedad que abruma la simpleza creadora, y son piezas que en su inmensa mayoría apelan al menor esfuerzo, y que su accesibilidad creativa nos dice que es una realidad, que cualquiera puede hacerlo".
En ese sentido, afirmó que no darle el status al artista que lo merece, ocasiona un alejamiento del arte a las personas, lo demerita, lo banaliza.
"Cada ves que alguien sin méritos y sin trabajo real excepcional expone, el arte va decreciendo en su presencia y concepción. Entre más artistas hay, las obras son peores, la cantidad no está aportando calidad".
"El artista ready made toca todas las áreas, y todas con poca profesionalidad, si hace video, no alcanza los estándares que piden en el cine o en la publicidad; si hace obras electrónicas o las manda a hacer, no logra lo que un técnico medio; si se involucra con sonidos, no llega ni a la experiencia de un Dj. Se asume ya que sí la obra es de arte contemporáneo, no tiene por que alcanzar el mínimo rango de calidad en su realización. Los artistas hacen cosas extraordinarias y demuestran en cada trabajo su condición de creadores, ni Demian Hirst, ni Gabriel Orozco ni Teresa Margolles, ni la inmensa lista de gente que crece son artistas, y esto no lo digo yo, lo dicen sus obras", aseveró.
Como consejo a los estudiantes, les indicó que dejen que su obra hable por ellos, no un curador, no un sistema, no un dogma, "su obra dirá si son o no artistas, y si hacen este falso arte, se los repito no son artistas".
Lésper aseguró que hoy día, el arte dejó de ser incluyente, por lo que se ha vuelto en contra de sus propios principios dogmáticos y en caso de que al espectador no le guste, lo acusa de "ignorante, de estúpido y le dice con gran arrogancia, si no te gusta es que no entiendes".
"El espectador, para evitar ser llamado ignorante, no puede ni por asomo decir lo que piensa, para este arte todo público que no es sumiso a sus obras es imbécil, ignorante y nunca está a la altura de lo expuesto ni de sus artistas, así el espectador presencia obras que no demuestran inteligencia", denunció.
Finalmente, señaló que el arte contemporáneo es endogámico, elitista; como vocación segregacionista, realizado para su estructura burocrática, para complacer a las instituciones y a sus patrocinadores. "Su obsesión pedagógica, su necesidad de explicar cada obra, cada exposición, su sobre producción de textos es la implícita acotación del criterio, la negación a la experiencia estética libre, define, nombra, sobreintelectualiza la obra para sobrevalorarla y para impedir que la percepción sea ejercida con naturalidad".
La creación es libre, pero la contemplación no lo es. "Estamos ante a dictadura del más mediocre".
http://www.vanguardia.com.mx/noticia-1362825.html?se=nota&id=1362825
No sólo seguía con el cuidado del hogar y de los críos después dela rev. industrial,sino que además tenía que currar,siendo sometida por doble partida…También engañaron al hombre,le dijeron que en un futuro las máquinas lo harían todo por él,que sólo tendría que trabajar unas pocas horas al día…Ya vemos los resultados…En lo de la minifalda totalmente de acuerdo,y más ahora en veranete…uhhhuuuuhhhh,ja,ja…Para cuando un post sobre las implicaciones del imperio britanico en el tráfico de opio,o como convertir una nación milenaria en yonkies…A ver si quedamos,si aparecen por aquí los de A.I. no dejéis de pegarme toque… saludo..
Yo creo que Jean Shrimpton es una buena mujer. Lei que actualmente vive retirada en un hotel destartalado en Cornualles y que su pasado no tiene mayor significado para ella. La más guapa de la época [y usuaria del diabólico invento sionista] fue la francesa Françoise Hardy.
Sin trampa ni cartón. http://userserve-ak.last.fm/serve/_/2961362/Franoise+Hardy.jpg
Vaya, me faltó esa, gracias Mad. Ya he podido ver algo raro en su biografía, empezó estudiando en el Petit Conservatoire de la judía Mireille Hartuch, esposa de un sospechoso filósofo anticomunista(con aproximaciones al neo-socialismo) y amigo de colaboradoracionistas.